Deja de parpadear! California, el regreso de Blink-182

Hace poco más de un mes que me tocó regresar a la Universidad después de cinco meses de estar realizando la práctica profesional supervisada como último requisito para graduarme. No le haré campaña a la rectora, pero no se puede negar que para bien o para mal, a nivel estructural la Universidad ha estado cambiando severamente en su mandato. Pero no solo son parqueos eliminados y nuevos edificios (incluida "el arca" del nuevo edificio administrativo), sino que realmente son pocas las personas que aún conozco, y aun menos las que verdaderamente aprecio que permanecen adentro y en los alrededores del edificio por el que he pasado gran parte de los últimos 5 años. Me fui imposible no sentirme de forma incómoda tras tanto tiempo fuera, casi como las pocas veces que me tocó regresar al colegio una vez egresado. Afortunadamente, la música hace maravillas, y teniendo mi reproductor mp3 recién cargado con los discos más recientes, puse algo para hacerme sentir, supongo que "más joven", California, el séptimo disco de la banda de pop punk Blink-182, el cual además es el primero tras su segundo o tercer rompimiento y el primero en no incluir a Tom DeLonge, el bajista y vocalista fundador de la banda.

Mi experimento surtió de maravilla, y de alguna forma dejé de sentirme incómodo, y es más, hasta me sentí revitalizado. No voy a intentar hacer el caso por decir que la música de Blink-182 es  exquisita y que los tipos son genios musicales, pero quedemos claro con que difícilmente se puede negar la influencia que tuvieron en su época y sobre toda una generación. Por la tarde comenté a mis compañeros de A la izquierda del dial, como California había superado mis expectativas y que era en realidad "un buen disco de Blink-182". "¿Un buen disco de pedos y masturbación?" preguntó Víctor, y con canciones (o micro-canciones) incluidas acá como Built This Pool, es difícil contradecir el cinismo de mi compañero. Quedemos claros con mi enunciado, "California es un buen disco DE BLINK-182", esto quiere decir que sí gustan de opciones refinadas como las operas de Wagner o las sinfonías de Beethoven, no sé que hacen leyendo sobre Blink-182. Por otro lado, si ustedes al igual que mi persona mantienen un "soft spot" por la enérgica e inmadura música de este trío; sí! la banda no murió la década pasada, pues probablemente California sea de su agrado. Habiendo dicho esto, California sufre de las mismas carencias que sus trabajos anteriores. Como ya lo hemos dicho, una renuencia por madurar (simplemente no es parte de la formula de Blink, con Mark Hoppus cantando sobre tener 23 cuando ya tenía 27), un grado de ser predecibles y sí, un par de canciones de más.

Voy a ser sincero admitiendo que nunca escuché un disco entero de Blink-182 (y no estoy dispuesto a comenzar a estas alturas), pero es innegable que algo hicieron bien durante el final de los 90s y principios de los 2000s, para que canciones como Adam's Song, Stay Together for the Kids o en especial I Miss You, despierten emociones en gran parte de mis contemporáneos. En el mismo estilo del White Album de Weezer de este mismo año, como su nombre lo dice, California es un canto de amor al "estado dorado", pero también es un canto de amor a la nostalgia, al haber sido jóvenes y al recordar los tiempos que de una forma u otra te han traído a quien eres hoy. Y sí, California mantiene la batería adictiva por la que mi vecina llamó Travis a su perro, y el álbum también tiene suficientes letras para adornar los garabatos y pupitres de los estudiante de secundarias bilingües.

Finalmente, como mencioné al principio, California es el primer disco de Blink-182 en no incluir a Tom DeLonge. Debido a malos entendidos, muy parecidos a los que llevaron la banda a tomarse su tiempo en dos ocasiones anteriores, y a que cada vez más DeLonge parecía alejado de la realidad, Mark y Travis decidieron seguir adelante bajo la bandera de la banda, reclutando a Matt Skiba como su suplente. A quienes no les resulte familiar el nombre, Skiba es uno de los fundadores y mentes creativas detrás de Alkaline Trio, una banda que siguiendo la línea de Blink-182, lograron crear una fiel base de fans, que sin embargo le queda corta a lo alcanzado por Blink-182. Skiba, quien sigue siendo miembro de Alkaline Trio parece desafiar el viejo adagio, siendo a la vez cola y cabeza de león. Como mencioné, la dinámica entre Hoppus y DeLonge, con sus tonos contrastantes, era uno de los atractivos principales de la banda, y en California, la banda logra hacer de DeLonge un elemento dispensable, con Skiba presentandose como un complemento más afinado que DeLonge (Y en lo que cabe, soy fan de DeLonge pues There Is sigue siendo mi canción favorita relacionada a estos tipos).

Resulta difícil destacar canciones, pero fans del Blink de antaño, siéntanse contentos con saber que el disco es bastante constante. Bored to Death, el single principal sería la canción que escogería para representar el disco. Home Is Such a Lonely Place trae el obligatorio momento "más reflexivo" y los temas dedicados a ciudades californianas (Los Angeles y San Diego) son bastante pegajosos, aunque ya para el final de las 16 canciones (claro, un par de ellas no llegan al minuto), la fórmula se siente cansona. Pero quizá la pregunta deba ser, después de 21 años desde la salida de Cheshire Cat, ¿está la fórmula gastada? No seré quien para contestar esa pregunta, se la dejo abierta a los fans de la banda, aunque tengo pensado expandir en una entrega futura sobre el legado de nuestras bandas favoritas de la infancia y adolescencia, más aun con la salida del nuevo álbum de Green Day (y Sum 41) este mes de octubre.

Flor Salvaje: El regreso de The Avalanches

Empecé a escuchar música de forma más obsesiva a finales del 2007 (10 años a mediados del próximo año, ¡cómo pasa el tiempo!), lo cual me dio muy poco tiempo para poder entender y utilizar el chiste que por años existió alrededor de Chinese Democracy, el infame sexto álbum de estudio de "Guns N' Roses", el cual finalmente salió en el 2008, tras innumerables demoras y aplazamientos en su fecha de salida. Quienes estén muy jóvenes para recordar aquellos tiempos, fue tanto la incertidumbre en 2008 alrededor de una nueva fecha de lanzamiento para el disco, que el presidente de la gaseosa Dr. Pepper prometió una lata de su producto a todo ciudadanos americano, si el disco salía en el 2008. Chinese Democracy salió ese año, pero si no han escuchado este álbum, no se pierden de nada. La gente lo escuchó, se rió, se tomó su gaseosa y continuó con su vida, sabiendo que el coloquio musical había perdido un chiste.

Si bien han existido otros casos de álbums cuyo lanzamiento parecía imposible, es indudable decir que Chinese Democracy era el más legendario. Los años pasaron, Detox finalmente vio la luz del día, de una forma u otra como Compton y hoy por hoy únicamente nos quedan el segundo disco de Lauryn Hill (Miseducation of Lauryn Hill salió en 1998)  y el sexto de Tool (10, 000 Days salió en el 2006) entre aquellos discos que ya casi pensamos jamás escucharemos. Pero si tus amigos son igual de hipsters que tú y yo, es posible que este año 2016 haya rotó con otro disco eterno, con la salida de Wildflower, el muy esperado segundo disco de la banda australiana The Avalanches.

Realmente, aparte de Tato y Víctor, no creo haber sostenido una conversación con nadie sobre esta banda, que sin embargo, con el lanzamiento de su debut Since I Left You en el año 2000, dio un baquetazo de originalidad en el mundo de la música electrónica que sigue resonando hasta nuestros días. Catalogado bajo el género de Plunderphonics, SILY era un álbum construido a base de samples, pero que a diferencia de más meditativos predecesores como Endtroducing... de DJ Shadow (1996), estaba bañado por un ambiente casi de fiesta. Aquel álbum debut sigue siendo uno de esos discos que te pone de buen humor, y cuyas capas y texturas son tan agradables y complejas, que sigues descubriendo nuevos elementos cada vez que lo escuchas. Uno de los principales logros de aquella hora de música, fue la capacidad de mezclar de manera armoniosa el pasado y el presente (¿o habrá sido el futuro?), algo que posteriormente sería llevado a extremos por artistas como Girl Talk o el subgénero entero del Electroswing.

Avalanches allá por el año 2000

Sin embargo, como muchos artistas que pegan sus piochas creativas contra oro en su primer movimiento de brazos, los chicos detrás de The Avalanches se vieron intimidados por como poder darle una continuidad a este trabajo sin precedentes. Una vez lanzado el álbum fuera de la gran isla, y mientras daban una gira por Europa y Estados Unidos, comenzó la odisea por crear la continuación, viaje que les llevaría 16 años hasta el lanzamiento de Wildflower (un año más que el lapso entre Spaghetti Incident? y Chinese Democracy). Durante este tiempo, todos los miembros de la banda renunciarían, a excepción de Robbie Chatter y Toni DiBlasi (James Dela Cruz saldría pero regresaría a la formación en 2015), incluyendo a Darren Seltmann, el vocero más activo de la banda, quien abandonó el proyecto en 2006 para concentrarse en su familia. Robbie Chatter tomaría el control creativo de la banda, pero problemas existenciales y de salud lo llevarían a constantemente retrasar su trabajo.

"Aún no se han terminado de licenciar todos los samples" se excusaba la disquera para argumentar un nuevo retraso en el lanzamiento del segundo disco de The Avalanches. Los fans bajaban los brazos, casi creyendo que el disco nunca saldría. Y luego, Modular, la disquera de la banda, se declararía en bancarrota. Un nuevo rumor del inminente lanzamiento resurgiría cada par de años, pero fue hasta este 2016, que su página de internet por fin recibió un colorido cambio de look, una actualización costosa que señalaba que algo concreto estaba por llegar. Y luego, Frankie Sinatra, pero ya llegaremos a eso.

Si para el 2007 The Avalanches ya contaban con más de 40 canciones, para el momento en que finalmente se decidieron por compilar lo que sería Wildflower, los experimentos, incluyendo colaboraciones con artistas de la talla de Ariel Pink y Jennifer Herrema de Royal Trux, algunas que siguen sin ver la luz del día. Entre los temas seleccionados, podemos encontrar uno que se remonta al año 2000 (Colours), y otros que fueron rescatados de proyectos fallidos, como un musical de King Kong y una banda sonora para un remake japonés de Yellow Submarine que nunca vio la luz del día (The Noisy Eater deriva de este proyecto). Tal mezcolanza pareciera ser una mala seña, pero se supone que este proceso no fue muy diferente a como SILY cobró vida.

Hablando propiamente del disco, he de decir que Frankie Sinatra, la primera canción oficial en 16 años, me agradó de primera. Esta es una de las dos colaboraciones con Danny Brown que aparecen en Wildflower, y que fue recibida de manera mixta. Repasando la canción noto que es uno de los números más débiles del álbum y comprendo porque la molestia de varios críticos, pues ya incluso a mí, sin conocer mucho de la discografía de Brown, su participación tanto en esta canción como en The Wozard of Iz me recuerdan al más molesto Eminem. Sin embargo, Frankie Sinatra es una introducción a uno de los principales cambios para este disco, la inclusión de vocales originales, que además de Brown incluyen a Chaz Bundwick (mejor conocido como Toro y Moi), Jonathan Donahue de Mercury Rev, Kevin Parker (Tame Impala) y Father John Misty.

En general, Wildflower continúa con la temática retrofuturista de su predecesor, y aunque los cambios de canciones suelen ser imperceptibles, el disco no se siente tanto como una unidad orgánica, en comparación con SILY. Si bien el disco es constante durante sus 53 minutos de duración, ningún momento llega a la grandiosidad encapsulada en fragmentos individuales del debut como la canción que dio nombre al álbum y Frontier Psychiatrist, una de las más divertidas y originales canciones (punto).

Al final, y a pesar de la tardanza, The Avalanches parecen haber dado un paso en la dirección correcta. No optaron por quedarse en su zona de comfort y lanzar un clon de SILY. Si bien Wildflower no es una joya indiscutible de la música moderna (como si lo es SILY...), ¡es un fucking nuevo disco de The Avalanches!, quienes además parece no tardarán 1.6 décadas en lanzar su siguiente álbum.

Si no han escuchado Since I Left You aun, pues mi recomendación es que comiencen por ahí (y se escuchan Endtroducing... y Paul's Boutique de los Beastie Boys de pasada), y denle varias escuchadas, pues como les mencioné anteriormente, cada escucha revela nuevos detalles. Lo que me trae a decir que en general, Wildflower carece de la complejidad emocional y la unidad, pero aun así se ha convertido en uno de mis discos favoritos (y probablemente el más escuchado) de este 2016.

Unborn Chicken Voices: Deftones - Gore (2016)

Tras una semana de recuento del año y un par de asueto, regresamos en A la izquierda del dial con nuestra reseña semanal, esta vez analizando el octavo disco de la banda californiana Deftones.

Víctor: Hola Izquierdos, a modo de disculpas por dicho asueto queríamos ofrecer nuestra perspectiva sobre uno de los discos más esperados del año, de la década incluso. .

Tato: Recuerdo mi primer disco de Deftones como si fuera ayer. White Pony la versión con la portada enteramente blanca y que incluía "Back to School", segundo sencillo que tuvo que ser incluido en el disco después de que saliera por razones comerciales. Víctor, ¿vos tenías la primera versión verdad? La que no incluía "Back to School".

V: Creo que Tato me entenderá cuando digo que Deftones fue una de esas bandas cruciales de nuestra adolescencia y formación musical... Sin tener que revelar mucho de nuestra edad claro jajaja… Así es Tato, tengo la versión que ya no está en producción... 100 $ en eBay para los interesados jaja.

Diego: que bien que traigas Back to School a la mesa Tato, pues fue la única exposición que tuve de la banda por aquellos años donde mis artistas favoritos eran Limp Bizkit, y especialmente el Linkin Park de Hybrid Theory

T: Si definitivamente Deftones es una banda de mis pininos musicales de las cuales aún escucho hoy en día. Lo demás eehm… mejor no hablemos... aunque no difieren de los artistas que dijiste antes Diego.

V: Efectivamente, con Tato somos hijos del nu-metal, pasado musical que por divertido que haya sido en el momento muchas veces querríamos olvidar...excepto por Deftones claro está.

D: Lo que me trae a la primera pregunta de la discusión de esta noche: ¿qué diferencia a Deftones de las bandas que hoy vemos cabizbajos el haber sido fans?

V: La diferencia se marcó por primera vez en el disco del que Tato hablaba, White Pony. Éste fue el disco donde comenzaron a exhibir el eclecticismo que ha caracterizado a Deftones desde entonces. Mostrando desde influencias de trip-hop y obviamente metal hasta (y esto es lo más relevante para ALIDD) grandes grupos de rock indie y alternativo como The Smiths, Cocteau Twins o My Bloody Valentine.

T: Bueno cuando por fin conseguí White Pony fue más por "Changes (In the House of Flies)" que por "Back to School " que era el sencillo más comercial. Me gustó esa canción porque era una pista pesada pero a la vez las vocales de Chino Moreno le agregaban un toque diferente y las letras eran más surrealistas en comparación de las quejas constantes que escuchabas en discos de Korn por ejemplo. A parte de que el disco si lo metías a la compu, traía un jueguito tipo pac man.

Cómo dice Víctor el disco era sónicamente diferente y la única razón por la que está algo como "Back to School" fue por presión de la disquera. Cabe mencionar que la disquera era propiedad de Madonna.

D: Aún con esa jugada comercial, volviendo a mí ser de aquel entonces, recuerdo que Back to School me pareció mucho grito y poco rap. Pasarían años para que me interesara en la banda tras ver Around the fur y White Pony en un libro de los mejores álbums de metal.

T: Si hay varias canciones de ahí que para mí son clásicos como Passenger, Teenager, Change (in the House of Flies), Feticeira… Bueno la verdad el disco entero es una joya.

V: Recuerdo que viniendo de una dieta exclusivamente basada en Sevendust y Mudvayne, "White Pony" ofrecía una atmósfera misteriosa e inigualable que prácticamente ninguno de sus contemporáneos querían imitar...en el mundo del indie rock en cambio…

El punto es que Deftones se ha mantenido en mi dieta musical aún cuando no han persistido muchos de sus contemporáneos. Siempre han mantenido un excelente control de calidad en cuanto a sus lanzamientos...ahora, ¿será esta la situación con este nuevo disco?

T: Tenés razón Víctor, esta banda estaba lejos de sus contemporáneos nu-metaleros. Si es que se les puede llamar contemporáneos.

Around the Fur no es malo tampoco pero aun no terminaban de cuajar ese sonido característico. Sonido que es bien prominente en todos sus lanzamientos incluyendo este nuevo álbum titulado "Gore”.

D: Bueno, pero antes de pasar a Gore, ¿cómo fue su reacción al disco anterior de la banda, Koi No Yokan de 2012?

V: Esa es la cuestión del asunto, Diego. Me atrevería a decir que esta etapa de la banda, con el bajista de Quicksand Sergio Vega (R.I.P. Chi), es posiblemente mejor que su etapa clásica. De no ser por White Pony, los dos discos previos a "Gore" serían las joyas de la corona en la discografía de Deftones.

T: Koi No Yokan no fue mucho de mi gusto; muy rítmico y la verdad a mí me gusta cuando Deftones se deja llevar por sus influencias de The Cure o Depeche Mode. Preferí Diamond Eyes…

V: me parece extraño que digás eso Tato, Koi No Yokan es posiblemente el álbum más melódico de la banda. Incluso diría que estos dos discos reanudaron mi interés en la banda. Después de dos lanzamientos buenos pero que no estaban al nivel de "White Pony", Diamond Eyes" fue un excelente “comeback”.

T: La verdad no quiero que se malinterprete de que no me gusta Koi No Yokan, es un buen disco, pero me gusto más Diamond Eyes. Vega es una muy buena adición a la banda después del fallecimiento de Chi Cheng. Diamond Eyes es un poco más melódico en mi parecer pero son dos buenos discos. Es una preferencia nada más.

D: Personalmente recuerdo que me gustó el disco, pero no generó mayor interés en mí por la banda. Realmente no recuerdo nada de ese álbum. Gore puede decirse que es el álbum que me ha convertido en acólito de Deftones.

V: Nada Tato, has insultado la memoria de Chi Cheng con tu odio hacia Koi No Yokan el mejor disco de Deftones después de White Pony.

"Koi No Yokan" siguió la racha excelente...pero "Gore"...en mi opinión si ve a Deftones dando un traspies, aún sin considerar la larga espera que supuso.

T: Me gusta más el título de Koi No Yokan que el Diamond Eyes, vaya concedo eso!

Una de las cosas que veo en un nuevo disco son las portadas, siento que es un arte perdido ahora con el Mp3 y Spotify, pero lo que más me gusta de comprar un disco es oír la música y buscar como cuadra con la portada. La verdad me encantó la portada de Gore y aún más el “Font” de las letras, las cuales generan un buen contraste al escuchar “Doomed User”. Gore empieza muy bien, con Prayers/Triangles, enmarcando bien lo que podemos esperar del resto del disco.

V: Deftones desde White Pony ha hecho álbumes en tandas de dos. Primero venían las excursiones más melódicas y atmosféricas (White Pony/Saturday Night Wrist) y luego el lado agresivo post-hardcore y metalero de la banda (Deftones/Diamond Eyes). Koi No Yokan parecía iniciar el ciclo...pero Gore, aún con ese título que pareciese indicar lo contrario, carece en gran medida de la agresividad esperada.

D: Yo diría que Gore comienza fuerte. Si bien es cierto que la primera canción bien podría ser la mejor del álbum, considero que las primeras tres canciones en conjunto le dan un fuerte empujón a lo que resta del álbum. Varias de las melodías de las canciones se me han quedado en la cabeza horas después de terminar el disco, y si hay algo de lo que me puedo quejar, es que con dos canciones menos hubiese sido un álbum más sólido.

T: Me llamó la atención la portada y el nombre del disco, hace sonar que habrá música hiper-agresiva, pero es más como un sonido atmosférico como en "Geometric Headdress" o más prog como en en "Heart/Wires". La verdad este disco me parece uno de los más románticos de Deftones, aunque Deftones siempre fueron tipos románticos. Pero este disco sí se siente como si la banda se relaja un poco y la música suena un poco más sensual. Pero definitivamente no llega a ser música para poner en la primera cita, jajaja...

D: creo que soy la persona menos adecuada para hablar de Deftones comparativamente, pero siento muchas similitudes entre White Pony y Gore. Incluso llegué a pensar que melodías como la de Knife Party, las había tomado de este último. Calificándolo más que todo en base a estos dos trabajos, me gusta decir que la esencia, el gusto de Deftones radica en la ansiedad, la espera, el ver un camino de pólvora que se dirige a un montículo de barriles de esta; y aunque puede que estos barriles exploten, es esa expectativa la que más se queda con uno cuando el álbum termina.

T: Bueno retomando lo de la sensualidad se puede decir que White Pony es un disco similar en este tema. Discos románticos.

V: Si bien creo que el álbum carece de malas canciones, a mí me cuesta encontrar puntos altos como los que caracterizan a Koi No Yokan o Diamond Eyes. No hay una "Goon Squad" o una "You've Seen the Butcher".

...Sonido romántico...mucho ruido se ha hecho sobre el supuesto conflicto entre Chino Moreno y Stephen Carpenter el guitarrista. Siendo Chino el proponente del lado atmosférico y Stephen del hardcore y el metal. Habiendo escuchado el disco, creo que le doy la razón a Stephen.

T: Difiero con vos Victor, siento que este disco si tiene momentos altos y rara vez bajan. Se podría decir que Diamond Eyes, Koi No Yokan y este son una especia de trilogía. En mi opinión, discos que llevan una misma corriente. ¿Que sería del romance sin el conflicto? Sería como Obama sin Putin, Beatriz Valle sin Esdras Amado López, JOH con toda Honduras...

V: Plan B vs la moral y el buen gusto… No sé Tato. Deftones siempre alterna entre esos dos extremos que mencionaba. En este disco no son ni chicha ni limonada. Si bien las canciones son más complejas de lo usual para Deftones, rara vez explotan con riffs cromáticos, solamente la canción epónima del disco muestra un poco de esa energía. no se Tato, te sigo insistiendo que si querés Deftones melódico a Koi No Yokan te tenés que abocar.

T: Bueno si te doy la razón en eso, se nota que quien peso más en esto disco fue Chino Moreno. No hay canciones abrasivas como "Elite" pero como te dije a mi me gusta Deftones melódicos. Le daré otra pasada a ver si capaz los años me cambien el paladar. Pero si hace falta ese contra peso de Stephen, se nota más en canciones como Xenon. Ahí se necesitaría una buen riff destruye universos.

V: Se ha hablado de la influencia del post-hardcore en este disco (influencia que siempre ha tenido la música de ellos, me atrevería a decir que desde White Pony son como un Jawbox con distorsión de metal) pero ni bandas como Hum o Drive Like Jehu se olvidaban de ponerle hooks a sus canciones…

Diego, como principiante en Deftones, te recomiendo que le des una escucha a los dos discos anteriores a este, para mí los mejores de la banda después de White Pony. Si te gustó Gore (para mí un 5) te encantaran esos. Mis canciones favoritas son "Prayers/Triangles", "Geometric Headress" y "Gore".

D: Como novato en el tema, puedo decir que este álbum en conjunto con White Pony son una buena introducción a la banda (lo siento, pero Koi No Yokan no lo fue para mí). Y a pesar de que Deftones aparecerá en las mismas páginas que Linkin Park y Static X en una reseña musical cronológica, álbums como este demuestran como su sonido les garantiza aparecer en libros en los que Fred Durst no saldrá ni en pie de página. Calificación: 8 Ahh y me quedó con Prayers/Triangles, Doomed User y Xenon.

T: concuerdo con Diego de que capaz dos canciones menos y es un disco perfecto y con Victor de que necesita un poco más de pesadez para contrastar las melodías. Deftones siempre será una de esas bandas trascendentales que supera al género musical de donde salieron (aunque no la tuvieron difícil). Este disco me parece una buena introducción a la banda, pero no desbanca a White Pony como el mejor disco de su carrera. Le doy un 8 sólido. Recomiendo "Prayers/Triangles", "Doomed User" y "Gore".

Calificación final: 7/10

Lo mejor de la mitad del año: Víctor

Bienvenidos al final de la semana, y con el post de las cinco recomendaciones de Víctor para este año, terminamos nuestra recapitulación de lo que va del año. Esperen más contenido la próxima semana.

5) The Monkees - Good Times!

Si hay algo en lo que todos en ALIDD estamos de acuerdo (¡algo no tan común como pareciese!), es en la grandiosidad del pop psicodélico de los 60’s; the Beach Boys, the Byrds, the Kinks y the Beatles (obviamente) se cuentan entre los favoritos de todo el staff, entre otros. The Monkees, quienes en su tiempo fueron una especie de precursores de Gorillaz al ser la primera banda compuesta por caricaturas, regresa sin uno de sus cantautores (Davy Jones, quien murió en el 2012) pero aún así nos brindan un álbum que no tiene nada que envidiarle a sus clásicos de los 60’s, tanto por su sonido asoleado (con su dosis leve de nostalgia) como por la excelencia de sus canciones. Esto se debe en una no despreciable medida a la contribución de músicos grandiosos que crecieron escuchando la música de los Monkees y ahora les retornan el favor contribuyendo excelentes canciones para este disco: Andy Partridge (XTC), Rivers Cuomo (Weezer), Adam Schlesinger (Fountains of Wayne) y Ben Gibbard (Death Cab for Cutie), entre otros.

4) Wild Nothing – Life of Pause

Jack Tatum regresa con el álbum más elaborado y logrado de su carrera. Tatum es uno de esos cantautores que surgió en medio de la movida del chillwave de inicios de década (el género que se inspiraba en el sonido nostálgico de las producciones de los 80s) y si bién siempre se caracterizo por tener composiciones más sólidas que muchos de sus contemporáneos, ha progresado desde su álbum debut de dream pop rudimentario hacia una dirección kaleidoscópica que mezcla este con la música comercial de los años 80s. “Life of Pause” confirma el estatus de Jack Tatum como EL cantautor del chillwave.

3) Kendrick Lamar – untitled unmastered.

A modo de epílogo de lo que fue “To Pimp a Butterfly” (álbum que en corto tiempo se ha consagrado como una especie de “Illmatic” del siglo XXI) K. Dot nos ofrece esta colección de pistas grabadas durante la realización de dicho álbum. Más que ser un botadero de esbozos, “untitled unmastered.” resulta ser otra excelente adición a la que se perfila como una discografía irrebatible. Esta colección conserva la sensibilidad jazz en su producción, pero al mostrar producciones menos densas y especialmente al no tratarse de un álbum conceptual épico (como lo han sido “TPAB” y “Good Kid M.A.A.D. City") me atrevería a decir que es el mejor punto de entrada para escuchar la obra de quien seguramente será visto como el más grandioso MC de nuestros tiempos (aparte de luminarias latinas como Arcángel claro está).

2) NAILS – You Will Never Be One of Us

La tercera misiva antisocial del veterano del hardcore, Todd Jones, ha llegado después de tres largos años de espera. Más que hacer cambios en su ideario corrosivo, “You Will Never Be One of Us” perfecciona la salvaje combinación entre death metal, hardcore y agresividad sin límites que Jones inventó, depurando cada uno de estos géneros hasta forjar un arma de letalidad pura con la ayuda de la producción de Kurt Ballou. NAILS se ha ganado la reputación de ser una de las (si no LA) bandas extremas más agresivas en la historia, claro, sin descuidar lo “pegadizo” de sus canciones, y este álbum (su primero para Nuclear Blast, la afamada discográfica de metal) continúa su racha intachable, demostrando el potencial que la música agresiva puede obtener si se dejan atrás el conformismo y la mentalidad de lemming que muchas veces caracteriza a estas escenas musicales. Música perfecta para la oficina del dentista.

1) Esperanza Spalding – Emily’s D+Evolution

El Nuevo álbum de Esperanza (de l@s pocos artistas que hemos cubierto en el programa que han visitado nuestro país) me tomó por sorpresa. Mientras que sus dos álbumes anteriores-los que la lanzaron al semiestrellato e incluso le valieron un Grammy-se ceñían más al enfoque improvisatorio del jazz, en este, la vocalista, compositora y bajista virtuosa decide poner sus talentos prodigiosos al servicio de un grupo de canciones previamente compuestas que muestran un magistral manejo del R&B, el pop y sorprendentemente, el rock progresivo. Estas mantienen un tono contemporáneo aunque resuenen con ecos de grandes de los 70’s como Stevie Wonder, Joni Mitchell y como mencionaba, íconos del rock progresivo de la talla de King Crimson y Frank Zappa. En un mundo ideal Esperanza sería la más grande superestrella musical, pero como no hace videos donde sale haciendo temblar prodigiosas nalgas y cantando como si acabase de sufrir un derrame cerebral (*ajem* Rihanna*ajem*)…

Unborn Chicken Voices: James Blake - The Colour in Anything

Aún no hemos pasado las encuestas de medio año, pero esperamos que la nueva sección "Unborn Chicken Voices" haya tenido buena aceptación. De cualquier forma, nos pareció el formato más adecuado para compartir con ustedes nuestras opiniones sobre diversos temas. En esta ocasión, Tato escogió discutir sobre el nuevo disco de James Blake: The Colour in Anything.

Diego: Bienvenidos nuevamente a este punto de discusión. Qué bueno que otra semana y otro disco que discutir. Tato, comienza por introducir a la víctima de hoy, y cuéntanos porque consideraste traerlo a la mesa de discusión.

Tato: bueno James Blake es el cantautor británico que inició su carrera en polarizante género musical que es el dubstep. Pero de estos artistas es el que mejor ha evolucionado y su nuevo disco se podría decir que es de los más esperados del 2016.

D: Es imposible hablar de James Blake sin llegar a mencionar este género. A mí en lo personal, allá por el 2011, me enseñó que "dubstep" no era necesariamente una mala palabra entre aquellos de "gustos refinados" XD

Víctor: Bueno a mí me parece una buena elección, pero más que un artista dubstep diría que es un músico que ha tomado influencias de este género. Conste que estamos hablando de dubstep en su definición original, la música británica que surgió a mediados de los 2000, y no la abominación sónica que Skrillex y compañía desatarían sobre el público a finales de dicha década XD

T: bueno se podría decir que en sus primeras grabaciones toma libremente estas influencias. Creo que hasta Overgrown se vio otra faceta de él. Drop the bass Diego!

D: Bueno, creo que si algo debo de criticarle a este disco, además de su “running time” (¡71 minutos!), es su pésimo "timing", cayendo prácticamente al mismo tiempo que nuestro anterior sujeto de análisis, A Moon Shaped Pool deRadiohead.

V: A mi más que todo me parece que en este disco James Blake llega a representar algo así como el ideal de pop del que tanto se llenan la boca hablando varias publicaciones. En él mezcla las sensibilidades electrónica experimentales del dubstep británico con R&B moderno y la tradicional sensación de "día lluvioso" de la música británica.

T: Concuerdo contigo Diego, el disco es 5 canciones muy largo y a pesar de que sónicamente es bonito, no deja de sonar un tanto genérico. Además es evidente de que Blake está coqueteando con el mainstream. Colaboró en el controversial Lemonade de Beyonce e invitó a Kanye a salir en el disco (evento que no se dio).

D: Estamos hablando de un disco con 17 canciones, que si bien no es conceptual, mantiene una misa atmósfera, tal como apunta Víctor. En lo personal, escucharlo repetidas veces no generó en mí la sensación de oír la misma canción, pero una idea que no pude sacar de mi cabeza, es la de James Blake como un "novelty act". Volviendo a su álbum debut de 2011, me quedo con el presentimiento que en aquel entonces, lo que encontré ahí era muy original y diferente a cualquier cosa que hubiese escuchado antes. Claro, esto viene de alguien que nunca logró entrarle al artista Burial.

V: Mi experiencia con Blake ha sido opuesta a la tuya, Diego. Yo al escuchar su debut del 2011 casi no pude esconder mi desdén y temí que sería el inicio de una moda de artistas tipo Blake que hacían "dubstep bonito" (lease: aburrido) para las cafeterías del mundo. Algo así como Dido hizo con el trip hop a inicios de los 2000. Y sí, The Colour in Anything sufre uno de los problemas principales de los discos dobles, el estar repleto de canciones de relleno.

Pero a propósito de Radiohead, me parece que James Blake es uno de sus seguidores que están continuando la labor innovadora que, como mencionaba en la reseña de AMSP, parece que Radiohead ya no está tan interesado en continuar. Pero este disco parece indicar que hay vida para James Blake más allá de ser el nuevo Café del Mar y estar condenado a sonar en las radios de mamás treintañeras "edgy". Creo que en esto influye mucho la mayor inyección de R&B y pop, lo cual tiene efectivamente le añade más "color" a la música, como así parecería indicarlo el nombre del disco.

T: Bueno ese color para mí es el mainstream y creo que Blake se escucha mejor con un poco de nostalgia. A mí me gustó Blake con la excelente canción Retrograde. Tenía lo mejor del “plastic soul” de Bowie con un poco más de energía y sensibilidades mileniales. A pesar de esa excelente canción el resto de las canciones en ese disco me parecieron inferiores. Siento lo contrario con este disco que me suena genérico y más aburrido que un disco de Bon Jovi.

D: Casi me atrevo a decir que cada uno tiene un disco favorito distinto entre la aun joven discografía del artista. Pero ¿qué les parecen las colaboraciones acá presentes? Vale decir que ya desde Overgrown se venían dando en un experimento que considero no fue exitoso: Take a Fall for Me con RZA.

V: Creo que son muy pertinentes las colaboraciones, sobre todo las de Frank Ocean. Ese aumento en el gradiente de R&B en la música de Blake no es accidental, después de todo él colaboró con Beyoncé produciendo un par de canciones para su nuevo álbum "Lemonade". Es esa influencia (la del R&B semi alternativo tipo el de Ocean y Miguel) la que se hace sentir en este álbum y lo rescata de ser el Dido versión "millenial".

D: Yo personalmente si no me dicen no me entero de la presencia de Frank Ocean. La participación de Justin Vernon de Bon Iver si es más "in your face", a decir verdad una de sus dos colaboraciones, I Need a Forest Fire, parece sacada del “songbook” del disco ganador del Grammy Bon Iver, Bon Iver.

V: Es cierto lo que decís, Diego, pero siento que es una influencia más espiritual y artística que otra cosa. Por ejemplo, muchas de las pistas cuentan con ritmos muy similares al trap rap; el contraste entre estos ritmos hiphoperos sucios y la melancolía baladera británica de Blake me parece muy bien logrado. Por lo menos en las 9 canciones que me gustan XD

T: La verdad creo que un disco de Frank Ocean producido por Blake daría un resultado más interesante…

D: Tato, no sé qué más nostalgia querés que estas 17 canciones. Una de las críticas más persistentes que se le han hecho a este trabajo es que Blake incluso llega a sonar muy quejón ("whiny"), particularmente en el aspecto de las letras.

T: Comparado a Overgrown este disco es más feliz y optimista.

V: Creo que este es el producto de tener un chico blanquito obvio seguidor de Radiohead y Burial tratando de tomar el manto de Al Green y compañía XD Si bien es cierto que suena un poco llorón, esto va de acorde a la temática lírica, que más que todo habla sobre desamor y rupturas. Es como un Reverendo Green versión emo pues XD

D: 9 canciones buenas en un álbum casi garantiza un "clásico", sin embargo, al lado de estas nueve canciones, tienes 8 que no te parecen. Hay alguna de estas 9 que te gustaría resaltar Víctor? Tato?

V: Yo diría que Radio Silence es una excelente y cautivante forma de aperturar el disco.

T: Concuerdo con Víctor, Radio Silence abre el disco fuertemente y promete bastante. La promesa no es cumplida en mi opinión.

D: Tato, mencionaste que este era uno de los álbums más esperados para este año, pero parece no haber llenado tus expectativas. ¿Qué esperabas encontrar acá?

T: Bueno cuando hablamos de AMSP ustedes dijeron que el disco tenía pocas canciones memorables. Pues este es el problema que me dio este disco, eventualmente después de Radio Silence, el disco se convirtió en una masa sin forma y no recuerdo ninguna otra canción.

V: En mi caso, fue una grata sorpresa. Como les decía, no le tenía mucha fe a James Blake, pero este disco me ha parecido un trabajo bien logrado.

D: ¿Algún pensamiento final antes de dar la calificación?

T: Siento que Blake tiene mucho que ofrecer y algún día sorprenderá con un disco estelar, lamentablemente este no es. Hasta los momentos Blake me parece mejor como artista que saca sencillos a un artista que amerita escuchar el disco entero.

V: The Colour in Anything cuenta con "bonitas" texturas electrónicas y acústicas, una agradable sensación de melancolía y si bien está repleto de relleno, las canciones buenas son las más que las menos. Si más pop sonara como las canciones buenas de este disco, no creería que a Stereogum y Pitchfork les pagan para darle hurras a Justin Bieber y otros esbirros del bajo mundo XD

Le doy 7,5 bass drops de 10.

T: Yo le doy 6.66 Lemonades de 10.

D: Yo igualmente pienso que James Blake es un artista interesante, lo pienso desde que escuché The Wilhelm Scream y creo que sigue sin hacer nada que justifique dejar de prestarle atención, sin embargo, concuerdo que The Colour in Anything peca de ser muy largo (típica historia, con menos canciones, hubiese sido un álbum más sólido) y un poco monótono. Creo también que a James Blake le falta por madurar, algo evidente en sus letras, y el futuro parece interesante, siempre y cuando logré balancear sus metas entre su coqueteo mainstream y su lado más experimental, presente en aquellas primeras grabaciones que lo dieron a conocer.

6.5 días lluviosos.

Calificación final: 6.89

Unborn Chicken Voices: Radiohead-A Moon Shaped Pool

Últimamente acá en A la izquierda del dial hemos tenido problemas con publicar regularmente en nuestro blog, sin embargo, siempre seguimos teniendo largas discusiones por el Whatsapp, así que para matar dos pájaros de un tiro hemos decidido moverlas para acá, en un segmento que esperamos sea semanal, llamado ‘Unborn Chicken Voices’. El día de hoy decidimos hablar todo alrededor del noveno álbum de Radiohead. Recuerda que puedes unirte a la discusión en los comentarios!

Diego: Bueno izquierdos, sin duda que Radiohead es la banda activa más importante del mundo, lo que me lleva a hacerles la primera pregunta: ¿qué tanto esperaban este álbum? y ¿qué esperaban de este álbum?

Víctor: ¡Hey hey! Primero un saludo a todos los izquierdos. Nos habíamos perdido por un rato y es bueno estar de vuelta. ¿Que que esperaba? Bueno, que por lo menos no fuera tan malo como King of Limbs jaja…

Tato: La verdad no sabía que esperar. Radiohead es de esas bandas que sale con un nuevo concepto en cada disco. Pero creo que lo que más esperaba es que el disco no fuera tan relevante como Kid A o In Rainbows

D: Parte de lo que me extrañó esta vez fue cuanta anticipación se creó para este lanzamiento, ya que los últimos dos prácticamente aparecieron desapercibidos. A mí tampoco me agradó particularmente King of Limbs, pero con Radiohead siempre queda la sensación que a lo mejor es uno quien no está preparado para el "concepto" que proponen.

V: La verdad si lo consideramos entre el anuncio oficial del álbum y su lanzamiento, pasaron semanas. Quiero tomar excepción a algo que dijiste Diego, lo de Radiohead siendo la banda más importante del mundo. Creo que MSP, independientemente de su calidad, representa a Radiohead renunciando a la batuta de la banda más importante o innovadora del mundo. Ahora tengo más la sensación de que simplemente quieren hacer música. Ahora, ¿tuvieron éxito en este álbum? Bueno, eso es un asunto más delicado...

D: Viniendo de un disco tan rítmico como King of Limbs, A Moon Shaped Pool me parece muy ambiental. KOL parecía muy influenciado por el trabajo solista de Thom Yorke, mientras acá se hace sentir la influencia de la carrera como compositor que ha tenido Jonny Greenwood desde 2006-7.

T: Creo que a King of Limbs la historia le hará justicia. Y la verdad el In the Basement que sacaron de King of Limbs es mucho mejor que el disco.

V: Es cierto que en vivo KOL es un animal distinto. Como “wannabe” percusionista debo decir que la diferencia se hace sentir.

T:   Se siente que también hay un sentimiento de finalidad a este disco.

D: Seguramente vamos a llegar a ese punto en un momento Tato. No es nada nuevo que Radiohead incluya en sus discos canciones que llevan años de estar flotando en su repertorio, pero la inclusión de True Love Waits, casi suena al comienzo de una despedida. Pero Empecemos con Burn the Witch, la primera canción en ser revelada, y que a mis oídos contrasta notablemente con el resto del álbum.

V: TLW no es la única de este álbum con raíces que se remontan al pasado de la banda. Por ejemplo, Burn the Witch, el primer sencillo (y la canción que abre el disco) viene de la época de Hail to the Thief. Estoy de acuerdo en que contrasta notablemente con el resto del álbum, más que todo porque tiene una melodía memorable (ups, lo dije…)

T: Se podía ver la letra de Burn the Witch en el arte de Hail to the Thief. Su composición es muy diferente a la que originalmente salió en esa época. Concuerdo con vos Diego, Burn the Witch es la canción más diferente del disco. No me encantó de inicio, pero ahora me cuesta sacarme la de la cabeza. Y creo q su letra es apropiada considerando lo que está viviendo el mundo en este momento.

D: Y quizá sea el momento para abordar ese otro aspecto, Radiohead fue una banda abiertamente política con Hail to the Thief, pero aparte de referencias a una "bruja que debe ser quemada" y a un "loco de manos pequeñas" en las dos canciones que fueron escritas hace más de 10 años, una lectura de ese tipo a MSP me parecería poco acertada.

T: Pero podríamos decir que el tema de migración en Inglaterra siempre fue relevante. Y creo que no fue casualidad que RH haya sacado está canción, cuando la migración de los refugiados sirios cobra relevancia.

V: Definitivamente concuerdo en que MSP carece del ángulo político que había caracterizado a RH desde OK Computer, aunque si lo pensamos bien este ha estado ausente desde In Rainbows. A esto viene un punto mío, para mi MSP es parte de una trilogía que comenzó con In Rainbows, cada parte de la cual representa una faceta de la música de Radiohead. In Rainbows el pop/rock de guitarra que los llevo a la fama, King of Limbs la faceta electrónica experimental del grupo y Moon Shaped Pool su lado baladero.

D: Existirán varias lecturas e interpretaciones de este, como cualquier disco de Radiohead. Pero sin duda la otra que no se puede dejar de mencionar, es la de MSP como "break-up album", ya que es el primero tras disolución del matrimonio de 23 años de Thom Yorke y Rachel Owen.

T: Creo msp es un break up similar a Blood on the Tracks. Y no se ustedes pero sónicamente me recuerda a Pink Moon pero más ornamental.

V: ¿cómo los otros discos de Nick Drake decís entonces Tato? XD

D: Jajajaja! Owned! A mí realmente me cuesta posicionar MSP entre la discografía de Radiohead. Como mencionó Víctor, In Rainbows se asentaba muy bien al lado de The Bends y King of Limbs iba al lado de Amnesiac y Hail to Thief. Como bien dijiste, MSP casi parece venir de otra banda.

D: Pero bueno, ahora al punto que tocó Víctor hace unos momentos. ¿Carecen las canciones de A Moon Shaped Pool de melodías memorables?

T: Yo siento que es un disco bien pegajoso, y que tiene excelentes hooks. Especialmente canciones como Identikit.

D: Concuerdo con que Identikit es una de las sobresalientes, pero aparte de las canciones con las que abre y cierra el disco, no podría tararear ninguna otra... Aunque anoche que me enteré que íbamos a tener esta discusión, le di la primera escucha en semanas a MSP, y ya sin la expectativa y hype de ser "el nuevo álbum de Radiohead", debo decir que me agrado más y me dejó la sensación de que es de esos álbums que crecen con el tiempo.

T: Soy del pensamiento contrario. Siento que las canciones son memorables. Por ejemplo Daydreaming es de esas canciones q recompensa cada vez q una la escucha. Y si la tarareo a cada rato jaja… Y creo que la lírica de Daydreaming contribuye a esas teorías de q es un break up album/álbum despedida

V: Bueno, como medio se me salió decir hace un momento, siento que Radiohead trajo de todo para lo que es muy posible sea su álbum de despedida. Cuerdas, la mejor producción de Nigel Godrich en años, un enfoque lírico nuevo...pero como que se les olvidó traer buenas melodías esta vez...

T: No sé si han leído la teoría de como el video de la canción tiene un “throwback”  a cada época de RH?

V: Creo que Paul Thomas Anderson, el aclamado cineasta director del video de "Daydreaming", piensa hacer una serie de videos de gente caminando hacia la cámara, solo recordemos el de Joanna Newsom que dirigió el año pasado XD

D: Interesante, no lo había visto así... Tendré que verlo nuevamente. A mí en lo particular en un comienzo me recuerda a una colaboración que hizo Thom Yorke en los noventas con UNKLE, Rabbit in your Headlight.

T: Cómo habíamos comentado este disco huele a despedida. Aun más cuando revelaron el tracklist y salía una canción que todos ya habíamos escuchado como cierre del disco. ¿Qué pensaron de este take de True Love Waits?

V: Creo que True Love Waits muestra que de haber compuesto más canciones con una melodía igual de inolvidable, Radiohead muy posiblemente tendría el mejor disco de su carrera en sus manos.

D: Realmente creo que la inclusión de la canción y el arreglo prácticamente solista de esta canción nos da a entender que lleva el sello de la vida personal de Thom Yorke.

V: Debo admitir que cuando se filtraron las primeras reseñas del álbum que mencionaban que estaba compuesto casi exclusivamente por baladas me emocione un poco.

D: Pero volvemos al hecho que esa canción se escribió hace más de 20 años. ¿Será que Radiohead ya no tiene más que dar, al menos al nivel al que se le ha venido exigiendo?

T: Pues eso es lo que pasa a veces el disco se siente como una compilación de canciones nunca grabadas e inéditas. Hasta el tracklist viene en orden alfabético.

D: Es difícil pedir más de una banda que con sus álbums, al menos dos veces ha cambiado las reglas del juego. Y como dice el cliché, hasta lo peor de Radiohead es mejor que la mayor parte de la música actual.

V: Después de todo Radiohead propiamente dicho nunca ha sido una banda muy roquera, y varias de mis canciones favoritas de ellos son baladas ("Sail to the Moon", "Faust Arp", "How to Disappear Completely")

T: El disco siento q es mejor apreciarlo como una pieza completa y con un buen par de audífonos. Podría decir q tus canciones favoritas difieren mucho de las mías Víctor. Nunca le encontré el gusto a Sail to the Moon y por ejemplo canciones como Present Tense son superiores a posiblemente varias canciones de Hail to the Thief.

D: Una última pregunta antes de dar una calificación y cerrar esta primera discusión. ¿Debe seguir Radiohead? o ¿después de este tour es un buen momento para retirarse?

V: Radiohead siempre ha hecho un balance entre rock clásico oscuro al estilo de Pink Floyd y Neil Young con música experimental contemporánea y de los 70's, solo que en este álbum se sienten más plácidos abocándose a lo puramente melódico. A propósito de Neil Young, una de mis canciones favoritas del álbum, "The Numbers" es muy evocador de su estilo, mientras que su lado experimental casi solo se asoma durante "Ful Stop" el cual nos recuerda a los héroes del Krautrock Neu! y nos muestra que Phil Selway es un baterista muy subvalorado.

T: no quisiera que fuera el último disco de RH por razones sentimentales (quisiera verlos en vivo aun) pero si suena como que este disco es el final del camino. No sé si notaron q la primera palabra de este disco es “stay” y la ultima es “leave”. Concuerdo que la sección de ritmo en este disco fue poco utilizado, pero si le dieron el mando en KoL (que insisto que es un discazo especialmente ese triumvirato musical de las últimas 3 canciones )

V: mi sentimentalismo más bien me empuja a esperar que este sea el último disco de Radiohead como grupo. No es un mal disco, pero el uso de varias canciones inéditas y la sensación de nostalgia me hace temer que estén llegando a su final como una unidad creativa. Radiohead ha sido tan importante en mi vida que odiaría escuchar un disco verdaderamente malo de ellos.

D: Pues comprendo sus puntos de vista. Viniendo de alguien que en realidad está esperando a ver que trae The Getaway, el undécimo álbum de los Red Hot Chili Peppers, aun cuando sus mejores años pasaron hace mucho, he de decir que me gustaría que Radiohead siguiera sacando discos eternamente. Pero viéndolo del punto que menciona Víctor, no le pido lo mismo a Radiohead que a RHCP. Con todo el dolor en mi alma, aceptaría que este fuese el último disco de Radiohead. Es más, tendría sentido en estos momentos que Yorke, Jonny y Phil Selway tienen proyectos solistas

T: La verdad si este es el último disco cierran con broche de oro. Yo le daría 8 de 10. Es un disco para escucharlo solo con audífonos de buena calidad y sentarse a dedicarle el tiempo que se merece. El disco florece, en mi opinión, con varias repeticiones.

D: Ayer que me senté a escucharlo con audífonos y atención me gustó mucho. Pero me hace pensar si tal vez más bien fue que estaba muy cansado, pues el resto de las escuchas que le he dado me parece placentero pero poco memorable. Quizá con el tiempo cambien de nota, pero le dejaré un 7/10

V: Moon Shaped Pool es una agradable escucha, con una de las mejores producciones de parte de Nigel Godrich y Johnny Greenwood. Aun así, su falta de canciones memorables me hace concordar con el 7/10 que le otorga Diego.

Puntuación: 7.33/10