La digestión semanal: 17 de septiembre - 23 de septiembre de 2016

Hola, hola! Ya con esta edición de la digestión semanal estaremos cumpliendo un mes de traerles un resumen semanal de lo mejor de la música alternativa.

LAS NOTICIAS

La semana pasada les anunciamos sobre el Mercury Prize a lo mejor de la música Británica, y esta semana les traemos el ganador Polaris Prize, el cual se entrega cada año a lo mejor de la música publicada en Canadá. El premio es entregado desde 2006, y actualmente el ganador recibe $50,000 de premio. Ganadores pasados incluyen artistas tan diversos como Feist, Arcade Fire, Godspeed You! Black Emperor y Tanya Tagaq, una cantante de garganta, infame en su momento por comer focas. Este año la lista corta incluía a Carly Rae Jepsen, Grimes y White Lung, pero el premio gordo de la noche fue para Louis Kevin Celestin, mejor conocido como el artista de música electrónica Kaytranada, cuyo álbum debut 99.9% es un interesante trabajo que mezcla aspectos experimentales con colaboraciones con artistas de hip-hop del momento (Vic Mensa, Anderson .Paak) que le dan un "appeal" comercial. No entraré a más detalles, pues está entre los planes de A la izquierda del dial darle una mirada más detenida ya sea a los nominados y ganador de este concurso o al Mercury Prize.

Curiosamente, el día de hoy, sábado 24 de septiembre, Pinkerton, el segundo álbum de Weezer se encuentra cumpliendo su vigésimo aniversario. Lo resalto porque Pinkerton no es solamente mi álbum favorito de todos los tiempos (además de probablemente ser el álbum que más veces he escuchado en mi vida [incluyendo este preciso momento]). Weezer, con su debut de 1994, normalmente conocido como el Blue Album, creo uno, sino "él álbum" de guitarra alternativa de los 90s. Tras el éxito alcanzado por dicho debut, la banda, en especial su líder Rivers Cuomo, se tomaron a la tarea de crear algo más personal. Pinkerton comenzó como Songs From the Black Hole, una ópera de rock espacial que murió en su pretensión. Sin embargo, gran parte de ese material fue reciclado para crear Pinkerton, un álbum que inicialmente fue destruido por la crítica consagrada, que llevaría a la separación de la banda y que únicamente tomaría su status de clásico mediante el descubrimiento de sin número de adolescentes, que como yo, encontraban sus vidas retratadas en las 10 canciones aquí encontradas (además algunos B-sides incluidos en la edición de lujo de 2010).

Finalmente con las noticias, nos remontamos a 1977, hace casi 40 años que la NASA lanzó al espacio el Voyager 1, una sonda espacial destinada a llegar a los confines del Universo, y a bordo de esta se encontraba un disco de vinilo con instrucciones para hacerlo sonar. En él se encontraba una serie de canciones y grabaciones que buscaban hacer entender a una civilización hipotética y lejana de que se trataba la humanidad. Hoy el Voyager 1 se encuentra volando en el espacio interestelar, mientras su sucesor el Voyager 2 también se encuentra a 10 billones de millas de distancia. Pocas copias de ese disco existen en este sistema planetario, una en posesión del entonces presidente Jimmy Carter. El resto, únicamente hemos leído al respecto. Sin embargo, gracias a un proyecto de Kickstarter, muy pronto todos tendremos acceso a la grabación, la cual además será remasterizada por su compilador/productor original. El producto final tendrá una presentación de lujo, 3 discos de vinilo dorado con carátulas especiales que retratan las fotografías que fueron mandadas a volar por el espacio. Así que vayan reservando una copia, las cuales se venderán a $98 más envío, y podrán escuchar la grabación antes que E.T.

LAS CANCIONES

Estoy un tanto atrasado con otras obligaciones, pero no quería dejar de hacer esta entrega, así que disculpen si parace armado un poco a la carrera y menos comentado que lo usual.


Cafe Tacuba - Un par de lugares

Vamos a comenzar con la nueva canción mi banda favorita de música en español. Debo comenzar por decir que me alegra, pues aunque no es oficial, esto es señal de un nuevo álbum, el primero desde El objeto antes llamado disco de 2012. A estos cuatro nadie les saca carrera, pero cada uno de sus lanzamientos trae el sello de calidad.

Leonard Cohen - You Want It Darker

El octagenario y legendario cantante y compositor canadiense viene con un nuevo capítulo al acto final de su carrera musical, el cual nos ha traído dos joyas tardías con Old Ideas de 2012 y Popular Problems de 2014. Este músico canadiense es de esos artistas que fácilmente pueden ser catalogados como poetas, y quines no conozcan sus mejores trabajos de los 60s y 70s, se han perdido de mucho. Aunque probablemente todos ya hayan escuchado al menos una de sus canciones. You Want It Darker es la "title track"de su nuevo álbum, el cual verá la luz en el próximo mes de octubre.

Danny Brown - Really Doe (feat. Kendrick Lamar, Ab-Soul & EARL Sweatshirt)

Luego de lo logrado con To Pimp a Butterfly del año pasado, es difícil no ponerle atención a cualquier cosa que haga Kendrick Lamar, y más si va acompañado de otros tres raperos de primera línea. La cancion Really Doe es el tercer adelanto del nuevo disco de Danny Brown, cantante que revisitamos hace unas semanas en Wildflower de The Avalanches. El delivery de Brown toma un poco acostumbrarse, pero sin duda que Atrocity Exhibition es uno de los lanzamientos más esperados de lo que resta del año.

Hope Sandoval & The Warm Inventions(feat. Kurt Vile)

Todo el sueño de un slacker. Hope Sandoval, la cantante de Mazzy Star en los 90s, regresa con su otro grupo The Warm Inventions (que también incluye un integrante de My Bloody Valentine) para lanzar su tercer álbum Until the Hunter en noviembre de este año. En esta primera canción revelada, Sandoval crea un hipnótico dueto con uno de los mejores representantes de la música actual del sonido que Mazzy Star ayudó a moldear.

Moby & The Void Pacific Choir - Are You Lost in the World Like Me?

Hasta donde me he percatado, Porcelain, la canción de Moby de 1998, sigue siendo inamovible en gran parte de los celulares de los hondureños. Este también es el título de la autobiografía del cantante y compositor que parece volver a querer cobrar relevancia tras varios años de trabajar bajo el radar. Sin embargo, todo músico debe hablar con su música, pero afortunadamente su nueva canción parece indicar un Moby-revival. These Systems Are Failing el décimotercer álbum del artista sale el próximo mes de octubre.

LA RESEÑA

Esta semana, el blurb nos viene cortesía de Orlando Garner (Tato), quien nos recomienda el nuevo trabajo de Nick Cave & The Bad Seeds:

Nick Cave & The Bad Seeds - Skeleton Tree

"You fell from the sky crash landed in a field near the river Adur" con estas proféticas lineas empieza el nuevo disco de Nick Cave and the Bad Seeds, el primero despues de la muerte del hijo del afamado cantante. Varias de las canciones fueron escritas antes del tragico evento del 2015 donde el hijo de Cave se cayo de varios metros de altura a su muerte pero pero se siente un aire lugubre atraves del disco. 

Rating: 4/5 

Canciones recomendadas:"Rings of Saturn", "Girl in Amber" y " Skeleton Tree".

LOS LANZAMIENTOS

Neurosis - Fires Within Fires

No voy a mentir diciendo ser fan de Neurosis, pues a decir verdad el único disco que les he escuchado fue para la realización del especial de Steve Albini del año pasado. Sin embargo, ahí están, en mi larga lista de artistas por analizar. Fire Within Fires es el undécimo álbum de estudio de la banda, y los reseñadores resaltan la constacia de esta banda tras 30 años de trayectoria musical.

Devendra Banhart - Ape in Pink Marble

Devendra Banhart es un cantante y compositor Venezolano-Americano, cuyo sonido se ha caracterizado a través de los años por ser ecléctico y difícil de definir. Se le ha catalogado junto a mentes creativas como Sufjan Stevens y Joanna Newsom. Con Ape in Pink Marble, su noveno trabajo de estudio, Banhart pretende seguirse expresando y deleitando a sus fans.

Bruce Springsteen - Chapter & Verse

Bruce Springsteen, The Boss, catalogado como uno de los más insignes cantantes y compositores de la canción americana, y con una trayectoria de altos y bajos, nos llega este año con su autobiografía, titulada Born to Run, en referencia a uno de sus muchos álbums clásicos. Chapter & Verse es descrito como el acompañante auditivo a la experiencia de leer sobre la vida del músico. Las canciones fueron escogidas por el mismo Springsteen para acompañar la lectura e incluyen cinco canciones inéditas, sacadas de los años en que comenzó su aventura musical.

David Bowie - Who Can I Be Now? (1974-1976)

Lo anunciamos hace ya varias semanas en nuestra página de Facebook, la disquera Parlophone preparaba un nuevo capítulo en el catalogo de compilaciones sobre el desaparecido David Bowie. Esta nueva entrega recopila el período en que Bowie se convirtió en una megaestrella, con álbums como Diamond Dogs, Young Americans y uno de sus picos creativos, Station to Station, además de tres álbums en vivo, una compilación de rarezas y lados B y el álbum perdido The Gouster, el cual se podrá escuchar por primera vez en esta compilación cuyos 13 vinilos alcanzan el precio de $237.

La digestión semanal: 10 de septiembre - 16 de septiembre de 2016

Hola a todos, y bienvenidos a una entrega más de "La digestión semanal", el espacio en el que suelto mi fervor por volver a la radio y "hopefully" (maldita palabra sin traducción), les informó todo lo que deben de saber sobre la semana culminada en el mundo de la música. Hoy nuevamente les traemos noticias, algunas canciones notables, una reseña cortesía de Víctor Meléndez y como siempre, los nuevos lanzamientos a mantener bajo el radar. Comencemos:

LAS NOTICIAS

Si bien es cierto que el año pasado se le dedicó prácticamente tres entries al Mercury Prize a lo mejor de la música en las Islas Británicas (un vistazo por los nominados, mi favorito que ni llegó al shortlist y eventualmente sobre Benjamin Clementine, ganador del galardón para el año 2015), este año la fecha de la gala me tomó por sorpresa. El año pasado el evento ocurrió en noviembre y en esta ocasión fue anticipado por casi dos meses, por lo que nos ahorraremos la especulación y saltaremos de lleno al gran ganador de la noche. Si les interesa saber sobre todos los 12 nominados, entre los que destacaban el noveno álbum de Radiohead A Moon Shaped Pool, Hopelessness de ANOHNI, The Bride de Bat for Lashes, Adore de Savages y el favorito de los apostadores, Black Star, el álbum de David Bowie que apostaba por convertirlo en el primer competidor muerto en ganar el galardón. Sin embargo, el premio Mercury en su 25 aniversario fue para el rapero Skepta y su cuarto álbum de estudio Konnichiwa, lanzado independientemente a través de una disquera que creo con su hermano. Skepta representa el segundo artista de Grime que gana el premio, luego de que Dizzee Rascal lo ganase en 2003. Aunque seguramente Víctor nos podrá explicar con más detalle las características de este subgénero de hip-hop (yo incluso soy incapaz de hacer una diferenciación entre "rap" y "hip-hop"), lo importante es que es un estilo propio del Reino Unido, surgido a principios de la década pasada, y que actualmente se encuentra sufriendo una especie de "revival". Si bien es cierto que los raperos europeos han logrado hacer el crossover al otro lado del Atlántico, tenga seguro que seguirán oyendo del Grime y de Skepta en los próximos meses.

En la sección de canciones nos dedicamos a resaltar las nuevas canciones que han dado de que hablar. Sin embargo, consideramos más apropiado para la sección de noticias, el lanzamiento de dos videos oficiales por parte de dos bandas ya legendarias. Arrastrándolos de la noticia pasada, Radiohead, quienes con 5 nominaciones (y ningún gane) tienen el record de apariciones en la lista corta del premio, ni siquiera asistieron a la gala, pero en su lugar enviaron el siguiente video, dirigido por el visionario director de cine Paul Thomas Anderson (quien también grabó su anterior video Daydreaming). El video solo es Thom Yorke y Jonny Greenwood tocando acompañados de una percusión electrónica, pero si Radiohead saca un video de sus integrantes defecando, probablemente también lo veríamos.

La segunda banda en revelar un nuevo video esta semana es la ya extinta Led Zeppelin, quienes en conmemoración a una nueva reedición de uno de sus trabajos (ver sección de lanzamientos), lanzaron un video oficia sobre su clásico tema de Led Zeppelin II, What Is and What Should Never Be, el cual mezcla una presentación en vivo, acompañada por animación original.

Finalmente, en las noticias más insólitas de esta semana, nos gustaría informarles que el gorila Harambe, famosa tras haber sido sacrificada hace algunos meses por salvar un tonto niño que cayó en su jaula, se unira a artistas como 2Pac y Whitney Houston, al informarse inicialemnte sobre su participación en dos festivales venideros en forma de holograma. Así es, la noticia que causó gran conmoción entre los amantes de los animales, ha tenido su repercusión en el mundo de lam música, con artistas como Yong Thug dedicandole canciones y otros como Chvrches dedicandole presentaciones.Sin embargo, debemos de informar que las últimas notificaciones parecen indicar que al menos en el caso del festival Day for Night de Houston, la participación póstuma del gorila se trataba de un "chiste".

LAS CANCIONES

Kim Gordon - Murdered Out

La artista mejor conocida por ser uno de los motores creativos detrás de la influyente banda de noise rock Sonic Youth, ha lanzado esta semana, su primer trabajo publicado bajo su propio nombre. La canción se llama Murdered Out y es el tema resaltado de la semana pues en tres minutos y medio de ruido intenso, logra sonar crear una melodía atractiva al oído (una vez que este se ha acostumbrado). Resulta interesante saber que más nos tiene preparado Kim Gordon en su naciente carrera como solista.

Beck - Wow

El cantante y compositor Beck Hansen regresa con nuevas canciones, luego del éxito de su anterior álbum Morning Phase, el cual le llevó a ganar el Grammy a mejor disco del año (haciendo enojar al señor Kanye West en el proceso). Wow es ya la segunda canción del aun sin título ni fecha de salida décimo álbum del ecléctico cantante, que tras un álbum más meditativo (al estilo de su clásico Sea Change), nos viene con su otra cara, la del provocador jugetón. Me agrada bastante el video, pues me recuerda a los 90s.

Touché Amoré - New Halloween

Esto de escoger las mejores canciones reveladas durante el transcurso de la semana, lo lleva a uno a salirse de lo evidente, las bandas que uno ya conoce, y sumergirse un poco más en artistas menos conocidos. Es por eso que a pesar de que esta canción fue tomada de Stage Four, el nuevo cuarto álbum de la banda de post-hardcore americana Touché Amoré, este lanzamiento no aparece en los resaltados en la siguiente sección. Esta sentida canción nos cuenta como la muerte de la madre del cantante un 31 de octubre a causa del cáncer, mientras él se encontraba en un concierto al otro lado del país, cambia de forma dramática lo que esa fecha significa para él. Raras veces los artistas son así de sinceros en estos días.

LA RESEÑA

La reseña de esta semana nos viene cortesía de Víctor Meléndez, otro de los colaboradores usuales de A la izquierda del dial, quien nos revela su lado pop por medio de su reseña breve del más reciente álbum de la banda escocesa Teenage Fanclub:

Teenage Fanclub - Here

Los venerables powerpoperos glasguanos de Teenage Fanclub, adentrados en una carrera de ya casi 3 decadas, llevan ya varios álbumes haciendo una especie de versión indie del subvalorado álbum solista de Paul Mcartney, “Ram”; pura destreza composicional pop utilizada para cantarle a los pequeños placeres de la vida conyugal. Aunque la verdad no creo que este approach lance una nueva revolución punk y resulte en la caída de Juan Orlando/Peña Nieto/*inserte su esbirro conservador de elección* le ha servido a los Fannies para deleitarnos vez tras vez con canciones pop/rock de la mas alta calaña, dignas de mencionarse a la par de sus inspiraciones principales y engalanadas con sus características armonías tripartitas y sus guitarras con distorsiones vintage (según mi viejo suenan como “el grupo Bread pero con una distorsioncita bonita” tome ese comentario como quiera). Este álbum es la mejor colección que han lanzado en este estilo y me atrevería a decir que se posiciona junto con Songs from Northern Britain y el yá-clásico Bandwagonesque como uno de los mejores del grupo. Here le enseña como se hace a la nueva cepa de “soft rockers” como Whitney y Mac deMarco y entroniza a los Fannies como los maduritos interesantes conoisseurs del estilo.

LOS LANZAMIENTOS

Against Me! - Shape Shift With Me

Antes de que existiese Caitlyn Jenner, ya existía Laura Jane Grace, la identidad que asumió Thomas Gabel, cantante de esta banda de punk, tras su operación de cambio de sexo, la cual fue revelada cerca del lanzamiento de su anterior álbum Transgender Dysphoria Blues de 2014. Todo lo que sucedía alrededor de la banda y especialmente de la vida personal de la cantante, le brindó notoriedad al grupo. Y como dije anteriormente, luego vino Bruce Jenner y cambio el foco de atención sobre quien era el vocero de los transgéneros. Pero si algo nos dicen los títulos de los álbums de Against Me!, es que Jane Grace no deja de sacar inspiración de las experiencias por las que ha pasado.

El Perro del Mar - KoKoro

Hace ya varios años que obtenía mi dosis semanal de música nueva a través del Listening Party de Spinner (un feature que asumo se volvió irrelevante frente a gigantes como Spotify y Apple Music). Fue en aquel entonces cuando escuché Love Is Not Pop, de la artista sueca Sara Assbring, mejor conocida como Perro del Mar. Aquel era un álbum de pop vocal muy agradable y hasta cierto punto, inofensivo. Sin embargo, quedé lo suficientemente contento como para resaltar este que es ya su cuarto álbum de estudio, que además fue inspirado tras una visita de Sara a un museo de instrumentos musicales en la capital sueca de Estocolmo.

Meat Loaf - Braver Than We Are

Marvin Lee Aday, mejor conocido como Meat Loaf, es un nombre interesante en el mundo de la música, pues a pesar de ser un cantante de rock/pop, su formación se basa en los musicales de Broadway, lo que siempre le ha dado un toque característico a sus operáticos trabajos, especialmente en la trilogía Bat Out of Hell, cuya primera entrega sigue siendo uno de los discos mejor vendidos de todos los tiempos gracias a sencillos como I Would Do Anything for Love (But I Won't Do That) o Paradise by the Dashboard Light. Su nuevo trabajo es resaltado, pues en él vuelve a colaborar con las cantantes de sus grandes éxitos, Ellen Foley y Karla DeVitto.


Brujería - Pocho Aztlan

Si bien no soy para nada fan de la propuesta de este grupo de chicanos, me pareció notable resaltar que esta banda, que tiene muchos seguidores (especialmente adolescentes...), ya que este nuevo álbum es su primer trabajo desde Brujerizmo del año 2000. Para quienes no los conocen, la banda se hacen pasar por sanguinarios sicarios mexicanos y su sonido suena precisamente a lo que se imaginarían. Pero si ustedes son fans de la banda, dejenme decirles que Pocho Aztlan continúa por el mismo camino que los hizo notables en los 90s.

Led Zeppelin - The Complete BBC Archives

Finalmente, cerramos con las reediciones, y esta vez le tocó a un trabajo compilatorio de Led Zeppelin, publicado por primera vez en 1997 bajo el nombre de BBC Sessions. Este álbum está compuesto de grabaciones que  datan de 1969 y una presentación en el Teatro París de Londres en 1971. Esta nueva edición, titulada The Complete BBC Archives incluye un disco adicional con 9 interpretaciones jamás publicadas, incluyendo una canción inédita, Sunshine Woman, la cual se supone fue improvisada mientras la banda era grabada.


Y bueno, eso es todo por esta semana, los esperamos el próximo viernes-sábado con más información y buena música.

Lo mejor de la mitad del año: Tato

A pesar de ya no contar con nuestra voz por la radio, no nos hemos olvidado de mantenernos al tanto de lo nuevo de la música, y si bien nos hemos lenteado un poco en esta mitad del año, esperamos poder recuperar algo de territorio con los conteos de medio año que les presentaremos a lo largo de esta semana. El día de hoy comenzamos con los cinco discos favoritos escogidos por Tato. Esperemos encuentren algo nuevo de su agrado.

1. David Bowie- (Blackstar)

Que se puede decir del disco despedida de Ziggy Stardust, una producción que evoca sus tiempos más experimentales, con liricas cripticas y mucha influencia del jazz. Una canción fúnebre para el mismo, un adios al mundo, Bowie convirtió de su muerte un proyecto artístico de jamás intentado. Si usted no siente que le tocan los atrios del corazón con este disco, vaya a un doctor para que le llenen el certificado de defunción. 

Otras recomendaciones: Lazarus, Dollar Days.

2. Car Seat Headrest-Teens of Denial

A mí me hace mucha falta Lou Reed (si, sí, yo se Lulú, que asco, pero recordemos esa colaboración con Gorillaz!) lo bueno es que dejo varios discípulos entre nosotros para poder deleitarnos con ese estilo de poeta callejero, entre ellos el adelantado de la clase es Will Toledo que mezcla todo lo bueno de San Lou con esas posturas slacker de los 90 y una buena cantidad de angustia milenial.

Otras recomendaciones:  Drunk Driver/Killer Whales, Fill In The Blank.

3. Diarrhea Planet- Turn to Gold

A ustedes les gusta The Replacements? Les gustan los coros en los cuales puedes cantar a todo pulmón en tu carro? Te gusta tocar la guitarra aérea y sentirte como idiota pero feliz al mismo tiempo? Te gustan las guitarras en las bandas pero sientes que todo sonaría mejor si hubiera 5 guitarras!?A mí también!!!! Es por eso que Diarrea Planet ha sacado uno de los mejores discos del 2016, divertido, sarcástico, lleno de guitarras en todos lados, un disco que recuerda a The Replacements en sus mejores tiempos.

Otras recomendaciones: Ruby Red, Hot Topic.

4. Chance the Rapper-Coloring Book

“Ugh Kanye West, mátenlo! No lo soporto, quien se cree este ridículo! Justin Beiber vomito!!! Hablo mal de Taylor Swift!!” gritan las masas más iluminadas de la música, supongo que todo lo bueno que se grabo fue por blancos y el ultimo buen disco fue el disco en vivo de Soda Stereo. Siguen aca? Bueno entonces hablemos de Chance the Rapper y su excelente auto-financiado disco Coloring Book, una mejor realización del concepto del góspel para el siglo 21 que trato de hacer Kanye West en “The Life of Pablo”, es un disco que deja el cinismo a un lado y abraza el concepto de la felicidad. A nadie le sobra la felicidad en el siglo XXI mientras se derriten los polos y nos inundamos lentamente...

Otras recomendaciones: Summer Friends, Finish Line.

5. Radiohead- A Moon Shaped Pool

Y hablando de ataques de pánico y ansiedad extrema, les dejo con el ultimo (el ultimo de verdad? O solo el último en este año? Gracias por la ansiedad nuevamente Radiohead) disco, que ha sido acusado de ser muy relajado y con canciones poco memorables. “Hey Tato, el fin de esto es que escuchemos el disco verdad?” preguntaran los fieles lectores, y si tienen razón quiero que escuchen este disco! Todos los defectos que le achacan a AMSP son sus mayores fortalezas, los arreglos que da el gran Johnny Greenwood, dejando atrás el techno glitch de Yorke, un disco que se debe de escuchar como una sola pieza, un “break-up”álbum comparable con “Blood on the Tracks” de Bob Dylan. Radiohead no reinvento el mundo esta vez pero si nos dejó un disco espectral que se queda con uno entre más vueltas le dan.

Recomendaciones: Identikit, Present Tense, True Love Waits (ustedes True Love Waits!!!)

Reseña:★(Blackstar)-David Bowie

Cuando Bowie anuncio en el 2015 un disco que le seguiría a “The Next Day” creo que fui de los más emocionados, especialmente con la descripción que daba, una extravagancia de jazz con cantos gregorianos y Bowie cantando liricas cripticas. A pesar de que “The Next Day” fue una buena entrada al canon del artista, sentí que Bowie no tomo ningún riesgo y trato de sacar un disco de matices ya tocados con éxito por el en otras partes de su discografía, pero este nuevo aporte sonaba como un Bowie inspirado, un Bowie creando un nuevo personaje , un Bowie con algo que decir.

★ (Blackstar) inicia con la canción del mismo nombre y primer sencillo de la producción, arranca con una breve introducción a base de cuerdas y luego da lugar a una pista de redoble inspirada en el trip hop británico, mientras Bowie  entra con su distintivo barítono cantando que “en el día de la ejecución las mujeres tienen que arrodillarse y sonreír” con cantos gregorianos al fondo mientras un saxofón y trompeta se entremezclan después de cada verso. La verdad esta combinación suena terrible pero Bowie es Bowie y acá lo podemos ver pavoneándose, dándose gusto, inspirado, como en una especie de trance, tratando de exorcizar algo con esta música y justo a la mitad toda la banda baja la intensidad y sale el demonio que conjuraba Bowie a relucir. La voz de Bowie toma el mando y canta “Algo paso en el día que murió, su espíritu salto un metro y se hizo a un lado. Alguien más tomo su lugar y grito soy una Estrella Negra, soy una Estrella Negra” con una melodía dulce como si fuera el espectador de esta nueva Estrella Negra naciendo. En el video que hicieron de la canción se aprecia como Bowie canta con sus ojos vendados y con piedras donde irían sus globos oculares mientras vemos imágenes de cadáveres de astronautas. Mucho se ha querido interpretar de estas letras, inclusive aludiendo de que se trata de Isis o anunciado su inesperada muerte, pero en la coda de la canción todo se torna más despacio y fúnebre, volviendo a esconder su significado.

La siguiente canción del disco “’Tis a Pity She Was a Whore”empieza con una sección de ritmo que no da tregua mientras las trompetas y saxofón le siguen dando esa atmósfera de estar un club de jazz en el renacimiento de Harlem donde Bowie entra cantando “Luego me pegó como si fuera un hombre, es una pena que sea una puta”. Esta canción no es nueva y salio en cómo lado B de su sencillo “Sue (Or In A Season of Crime)” y toma su nombre de la obra de John Ford con el mismo título. Pero decir que esta canción es la misma que se sacó originalmente sería un insulto para el cuarteto de jazz, compuesto por el saxofonista Donny McCaslin, tecladista Jason Lindner, bajista Tim Lefebvre y baterista Mark Guiliana, con el que colaboró Bowie en todo el disco, ya que la influencia de estos pesa grandemente sobre la pista, convirtiéndola en una pieza única y una obra de arte mejor lograda de lo que fue en su primera presentación.

“Lazarus” continúa el disco y se podría decir que esta es la canción más oscura que ha escrito Bowie y visita al personaje que interpreto en la película “El Hombre que Cayo a La Tierra” Thomas Gerome Newton 30 años después de su aparición. La letras de la canción hablan de como este personaje está herido, dolido y atrapado soñando en el día en el cual va a regresar a su libertad y en el video apreciamos al mismo personaje que encarnó Bowie en Blackstar en una cama de hospital levitando por los aires y otro Bowie más rejuvenecido bailando al salir de un closet que parece sarcófago.  El tiempo nos ha desvelado que esta canción es sobre los últimos días de Bowie, en una cama sucumbiendo al cáncer y con tantas drogas para el dolor que ya no puede contestar su celular, es lo más conmovedor que ha cantado alguna vez un ser humano.

En medio del disco tenemos Sue (Or In A Season of Crime) una canción que también ya había salido con anterioridad como sencillo de su última compilación “Nothing Has Changed”. Acá también notablemente transformada al punto que es irreconocible a lo que salió anteriormente. Con un estrepitoso bajo, la batería endemoniada y una sensación de destrucción inminente, la canción es el equivalente sónico de muerte por napalm en este disco, sirviendo para limpiarnos el paladar de lo que escuchamos anteriormente con un sonido muy post-punk. La letra de la canción es también inspirada en la obra de teatro de “’Tis a Pity She Was Whore”, obra que habla sobre una pareja de hermanos incestuosos, aunque por recientes eventos uno pensará diferente, especialmente cuando nos dice que ya recibió la rayos x de la clínica y todo se mira bien.

Para los fanáticos de “La Naranja Mecanica” se encontraran con la inesperada sorpresa de que en la canción “Girl Loves Me” parte de las letras están escritas en Nasdat, otra en Polari, un lenguaje secreto que utilizaban la cultura gay en Inglaterra para comunicarse, ya que la homosexualidad era ilegal en ese país hasta hace poco, y otra parte en inglés. Siempre manteniendo la tonalidad de jazz pero se escucha muy influenciada por artistas como Kendrick Lamar, inclusive el mismo Tony Visconti productor del disco ha dicho que Bowie estaba muy sorprendido por el disco de Lamar “To Pimp a Butterfly” y eso inspiró bastante el sonido de jazz que permea el resto del disco.

Seguimos el disco con lo que yo creo es la pista, la excelente “Dollar Days”, aunque se escucha como una canción muy tradicional y básica, la muerte de Bowie le da un sabor agridulce ya que es la canción donde el repasa su pasado, su presente y su anhelo por más tiempo en este mundo. Bowie quita la cortina que siempre lo envela y podemos escuchar por primera vez su secreto más oculto y resguardado, el de poder morir y regresar, como el mesías musical que siempre imagino. La canción termina para hacer un seguimiento sin pausa a “I Can’t Give Everything Away” que inicia con la harmónica de “A New Career in a New Town” del disco “Low”, una canción que habla sobre empezar de nuevo en un lugar diferente pero acá Bowie se vuelve a ocultar dejándonos con el resumen perfecto de su carrera “ver más y sentir menos, decir que no pero querer decir que sí, eso es todo lo que quería decir, ese es el mensaje que envié, no pude entregarles todo”, mientras la música conduce con un perfecto ejemplo del dream pop y le pone un punto final a la carrera de este artista.

Bowie ríe en una de sus últimas fotos en vida

Escuché el disco el día que salió, el cumpleaños de Bowie, antes de que muriera y el disco me pareció de los mejores que ha sacado en toda su carrera. A pesar de ser solo 7 canciones podemos ver que tenemos un artista completamente inspirado, deseoso de sacar una obra que le haga rival a los discos que lo pusieron en el panteón de la música y me parece que lo logró. Estoy seguro que en 20 años vamos a ver que ★ estará por lo menos en el top 5 de discos de Bowie.  El éxito del álbum no es tanto de que Bowie quiera reinventarse en un nuevo género y copiarle a la gente que le copia a él, sino que busca en su pasado y agarra esa brillantez que tuvo en la trilogía de Berlín y le hace un update para el siglo 21,  tomando influencias ya conocidas como Can, agregándole cosas de Radiohead y TV on the Radio y mezclándolas con la amalgama de jazz rock  de Miles Davis en “Bitches Brew”. Ciertamente habrá gente cínica que querrá quitarle merito al disco solo porque es visto con los ojos de nostalgia a causa de la muerte del intérprete y luego habrá gente que se va a querer montar al vagón de Bowie ensalzando demasiado el álbum sin escuchar lo que hubo, ambas cosas le restarían merito a esta obra maestra, lo mejor es escucharlo con mente abierta.

Una verdad innegable del legado de David Bowie fue que moldeó el siglo XX para que hubiera una apertura social más grande dándole cabida a gente que no encajaba dentro de parámetros provistos por la sociedad. Su sombra dentro de la música es grande y larga, ya que siempre estuvo presente sea como padrino Lou Reed e Iggy Pop, como rival de Marc Bolan, como amigo de John Lennon y Mick Jagger , como amante de Can y Neu!, como colaborador de Brian Eno y Queen, asesor de imagen de Duran Duran y Depeche Mode, idolatrado por Joy Division, inmortalizado por Nirvana y Flaming Lips, revitalizado por Trent Reznor, pregonado por Bunbury o padre espiritual de Arcade Fire.

Especial:Programa del Miércoles: David Bowie o La Fuerza del Sino

El primer encuentro que tuve con David Bowie fue cuando tenia 12 años y esperaba un miércoles por la noche, que pasaran Noches de Climax en el Cinemax, lastimosamente para mi pobre mente puberta no pasaron nada de porno softcore pero si pasaron mi primera introducción al mundo del glam rock e indirectamente al mundo de David Bowie, esa noche vi la película Velvet Goldmine.
La película se trataba sobre un reportero llamado Arthur Stuart (interpretado por un muy joven Christian Bale) que le asignan averiguar que fue lo que sucedió con el rockero glam Brian Slade (Jonathan Rhys Meyers), que desapareció después de un concierto donde finge su asesinato. Dentro de la película Slade es el líder de un grupo llamada Venus in Furs y ha creado una personaje llamado Maxwell Demon, asimismo entabla una amistad con un rockero norteamericano llamado Curt Wild (Ewan McGregor). Mi pequeña mente juvenil no entendía estos conceptos que se me estaban presentando enmarcados con el sonido de guitarras estramboticas y ruidosas, disfraces estrafalarios y conceptos complejos que incluían a Oscar Wilde. Todo esto sucedió mucho antes del adviento del internet y wikipedia, así que para mi esa película era pura ficción, nada apegada a la realidad.

Años después de ver Velvet Goldmine, con la película y la música habiendo hecho una impresión en mi pero sin haber descubierto lo que yacía en la profundidad, me tropecé con un musical! Si un musical señoras y señores! Que musical posiblemente pudiera tener los mismos conceptos musicales que Velvet Goldmine? Tommy? No, no, que cliché! Rocky Horror Picture Show? Pudo haber sido fácilmente esta pero no. Entonces nos rendimos Tato, que musical pudo haber sido? Calma exasperado lector ahorita mismo les cuento, pero esten advertidos que se trata de algo un poco absurdo.

El musical se trata de Hedwig and the Angry Inch, que trata sobre un/a joven transexual de la antigua Alemania del Este, que se enamora de un militar gringo y se muda hacia los Estados Unidos, pero no sin antes descubrir de las mieles del rock and roll (les dije que era un poco absurda). Con una solida dieta de Velvet Underground, Lou Reed, David Bowie, T. Rex, entro otros artistas, Hedwig compone sus propias canciones de glam rock sobre su experiencia desde Alemania hasta USA, tratando de construir un puente entre la pared que la divide. Ahora bien lo que hace que esta producción destelle son las canciones que se compusieron para esta película, con melodías pegajosas pero con carácter punk y letras melancólicas sobre lo que es vivir en un pueblo y sentirse alienado, el soundtrack es un verdadero regalo de Dios para los humanos. Tan bien fue recibida este set de canciones que se realizo un disco tributo, Wig in a Box, con covers de artistas de la talla de Frank Black, Sleater Kinney, Bob Mould, Yo La Tengo, entre otros.

Ahora bien, aun no captaba que estas películas eran una carta de amor a David Bowie, ya que no había escuchado una canción de el o capaz lo había sin saber de quien eran originalmente (te estoy viendo a ti The Man Who Sold The World). Hasta que por fin un rayo de luz se aposento sobre mi, querido lector, en una noche de frenesí juvenil (existen otro tipo de noches) alguien puso un video que dividió mi mente en dos pero que unifico las dos película  antes mencionadas. En la pantalla se proyectaba un tipo mas payulo que La Llorona, con un pelo rojo como el fuego, que observaba directamente a la cámara con ojos dispares, uno mas grande que otro, vestido como el primo dandy del Guason y luego abrió su boca. Fue en ese momento cuando entendí que esto era lo que aquellas películas querían ser, que a esto quería llegar Jonathan Rhys Meyers cuando cantaba en su persona de Maxwell Demon, a esto aspiraban Stephen Trask y Bob Mould al escribir el soundtrack para Hedwig. Todos querían ser Bowie, pero Bowie siempre quiso ser alguien mas.

Tato