Unborn Chicken Voices: Deftones - Gore (2016)

Tras una semana de recuento del año y un par de asueto, regresamos en A la izquierda del dial con nuestra reseña semanal, esta vez analizando el octavo disco de la banda californiana Deftones.

Víctor: Hola Izquierdos, a modo de disculpas por dicho asueto queríamos ofrecer nuestra perspectiva sobre uno de los discos más esperados del año, de la década incluso. .

Tato: Recuerdo mi primer disco de Deftones como si fuera ayer. White Pony la versión con la portada enteramente blanca y que incluía "Back to School", segundo sencillo que tuvo que ser incluido en el disco después de que saliera por razones comerciales. Víctor, ¿vos tenías la primera versión verdad? La que no incluía "Back to School".

V: Creo que Tato me entenderá cuando digo que Deftones fue una de esas bandas cruciales de nuestra adolescencia y formación musical... Sin tener que revelar mucho de nuestra edad claro jajaja… Así es Tato, tengo la versión que ya no está en producción... 100 $ en eBay para los interesados jaja.

Diego: que bien que traigas Back to School a la mesa Tato, pues fue la única exposición que tuve de la banda por aquellos años donde mis artistas favoritos eran Limp Bizkit, y especialmente el Linkin Park de Hybrid Theory

T: Si definitivamente Deftones es una banda de mis pininos musicales de las cuales aún escucho hoy en día. Lo demás eehm… mejor no hablemos... aunque no difieren de los artistas que dijiste antes Diego.

V: Efectivamente, con Tato somos hijos del nu-metal, pasado musical que por divertido que haya sido en el momento muchas veces querríamos olvidar...excepto por Deftones claro está.

D: Lo que me trae a la primera pregunta de la discusión de esta noche: ¿qué diferencia a Deftones de las bandas que hoy vemos cabizbajos el haber sido fans?

V: La diferencia se marcó por primera vez en el disco del que Tato hablaba, White Pony. Éste fue el disco donde comenzaron a exhibir el eclecticismo que ha caracterizado a Deftones desde entonces. Mostrando desde influencias de trip-hop y obviamente metal hasta (y esto es lo más relevante para ALIDD) grandes grupos de rock indie y alternativo como The Smiths, Cocteau Twins o My Bloody Valentine.

T: Bueno cuando por fin conseguí White Pony fue más por "Changes (In the House of Flies)" que por "Back to School " que era el sencillo más comercial. Me gustó esa canción porque era una pista pesada pero a la vez las vocales de Chino Moreno le agregaban un toque diferente y las letras eran más surrealistas en comparación de las quejas constantes que escuchabas en discos de Korn por ejemplo. A parte de que el disco si lo metías a la compu, traía un jueguito tipo pac man.

Cómo dice Víctor el disco era sónicamente diferente y la única razón por la que está algo como "Back to School" fue por presión de la disquera. Cabe mencionar que la disquera era propiedad de Madonna.

D: Aún con esa jugada comercial, volviendo a mí ser de aquel entonces, recuerdo que Back to School me pareció mucho grito y poco rap. Pasarían años para que me interesara en la banda tras ver Around the fur y White Pony en un libro de los mejores álbums de metal.

T: Si hay varias canciones de ahí que para mí son clásicos como Passenger, Teenager, Change (in the House of Flies), Feticeira… Bueno la verdad el disco entero es una joya.

V: Recuerdo que viniendo de una dieta exclusivamente basada en Sevendust y Mudvayne, "White Pony" ofrecía una atmósfera misteriosa e inigualable que prácticamente ninguno de sus contemporáneos querían imitar...en el mundo del indie rock en cambio…

El punto es que Deftones se ha mantenido en mi dieta musical aún cuando no han persistido muchos de sus contemporáneos. Siempre han mantenido un excelente control de calidad en cuanto a sus lanzamientos...ahora, ¿será esta la situación con este nuevo disco?

T: Tenés razón Víctor, esta banda estaba lejos de sus contemporáneos nu-metaleros. Si es que se les puede llamar contemporáneos.

Around the Fur no es malo tampoco pero aun no terminaban de cuajar ese sonido característico. Sonido que es bien prominente en todos sus lanzamientos incluyendo este nuevo álbum titulado "Gore”.

D: Bueno, pero antes de pasar a Gore, ¿cómo fue su reacción al disco anterior de la banda, Koi No Yokan de 2012?

V: Esa es la cuestión del asunto, Diego. Me atrevería a decir que esta etapa de la banda, con el bajista de Quicksand Sergio Vega (R.I.P. Chi), es posiblemente mejor que su etapa clásica. De no ser por White Pony, los dos discos previos a "Gore" serían las joyas de la corona en la discografía de Deftones.

T: Koi No Yokan no fue mucho de mi gusto; muy rítmico y la verdad a mí me gusta cuando Deftones se deja llevar por sus influencias de The Cure o Depeche Mode. Preferí Diamond Eyes…

V: me parece extraño que digás eso Tato, Koi No Yokan es posiblemente el álbum más melódico de la banda. Incluso diría que estos dos discos reanudaron mi interés en la banda. Después de dos lanzamientos buenos pero que no estaban al nivel de "White Pony", Diamond Eyes" fue un excelente “comeback”.

T: La verdad no quiero que se malinterprete de que no me gusta Koi No Yokan, es un buen disco, pero me gusto más Diamond Eyes. Vega es una muy buena adición a la banda después del fallecimiento de Chi Cheng. Diamond Eyes es un poco más melódico en mi parecer pero son dos buenos discos. Es una preferencia nada más.

D: Personalmente recuerdo que me gustó el disco, pero no generó mayor interés en mí por la banda. Realmente no recuerdo nada de ese álbum. Gore puede decirse que es el álbum que me ha convertido en acólito de Deftones.

V: Nada Tato, has insultado la memoria de Chi Cheng con tu odio hacia Koi No Yokan el mejor disco de Deftones después de White Pony.

"Koi No Yokan" siguió la racha excelente...pero "Gore"...en mi opinión si ve a Deftones dando un traspies, aún sin considerar la larga espera que supuso.

T: Me gusta más el título de Koi No Yokan que el Diamond Eyes, vaya concedo eso!

Una de las cosas que veo en un nuevo disco son las portadas, siento que es un arte perdido ahora con el Mp3 y Spotify, pero lo que más me gusta de comprar un disco es oír la música y buscar como cuadra con la portada. La verdad me encantó la portada de Gore y aún más el “Font” de las letras, las cuales generan un buen contraste al escuchar “Doomed User”. Gore empieza muy bien, con Prayers/Triangles, enmarcando bien lo que podemos esperar del resto del disco.

V: Deftones desde White Pony ha hecho álbumes en tandas de dos. Primero venían las excursiones más melódicas y atmosféricas (White Pony/Saturday Night Wrist) y luego el lado agresivo post-hardcore y metalero de la banda (Deftones/Diamond Eyes). Koi No Yokan parecía iniciar el ciclo...pero Gore, aún con ese título que pareciese indicar lo contrario, carece en gran medida de la agresividad esperada.

D: Yo diría que Gore comienza fuerte. Si bien es cierto que la primera canción bien podría ser la mejor del álbum, considero que las primeras tres canciones en conjunto le dan un fuerte empujón a lo que resta del álbum. Varias de las melodías de las canciones se me han quedado en la cabeza horas después de terminar el disco, y si hay algo de lo que me puedo quejar, es que con dos canciones menos hubiese sido un álbum más sólido.

T: Me llamó la atención la portada y el nombre del disco, hace sonar que habrá música hiper-agresiva, pero es más como un sonido atmosférico como en "Geometric Headdress" o más prog como en en "Heart/Wires". La verdad este disco me parece uno de los más románticos de Deftones, aunque Deftones siempre fueron tipos románticos. Pero este disco sí se siente como si la banda se relaja un poco y la música suena un poco más sensual. Pero definitivamente no llega a ser música para poner en la primera cita, jajaja...

D: creo que soy la persona menos adecuada para hablar de Deftones comparativamente, pero siento muchas similitudes entre White Pony y Gore. Incluso llegué a pensar que melodías como la de Knife Party, las había tomado de este último. Calificándolo más que todo en base a estos dos trabajos, me gusta decir que la esencia, el gusto de Deftones radica en la ansiedad, la espera, el ver un camino de pólvora que se dirige a un montículo de barriles de esta; y aunque puede que estos barriles exploten, es esa expectativa la que más se queda con uno cuando el álbum termina.

T: Bueno retomando lo de la sensualidad se puede decir que White Pony es un disco similar en este tema. Discos románticos.

V: Si bien creo que el álbum carece de malas canciones, a mí me cuesta encontrar puntos altos como los que caracterizan a Koi No Yokan o Diamond Eyes. No hay una "Goon Squad" o una "You've Seen the Butcher".

...Sonido romántico...mucho ruido se ha hecho sobre el supuesto conflicto entre Chino Moreno y Stephen Carpenter el guitarrista. Siendo Chino el proponente del lado atmosférico y Stephen del hardcore y el metal. Habiendo escuchado el disco, creo que le doy la razón a Stephen.

T: Difiero con vos Victor, siento que este disco si tiene momentos altos y rara vez bajan. Se podría decir que Diamond Eyes, Koi No Yokan y este son una especia de trilogía. En mi opinión, discos que llevan una misma corriente. ¿Que sería del romance sin el conflicto? Sería como Obama sin Putin, Beatriz Valle sin Esdras Amado López, JOH con toda Honduras...

V: Plan B vs la moral y el buen gusto… No sé Tato. Deftones siempre alterna entre esos dos extremos que mencionaba. En este disco no son ni chicha ni limonada. Si bien las canciones son más complejas de lo usual para Deftones, rara vez explotan con riffs cromáticos, solamente la canción epónima del disco muestra un poco de esa energía. no se Tato, te sigo insistiendo que si querés Deftones melódico a Koi No Yokan te tenés que abocar.

T: Bueno si te doy la razón en eso, se nota que quien peso más en esto disco fue Chino Moreno. No hay canciones abrasivas como "Elite" pero como te dije a mi me gusta Deftones melódicos. Le daré otra pasada a ver si capaz los años me cambien el paladar. Pero si hace falta ese contra peso de Stephen, se nota más en canciones como Xenon. Ahí se necesitaría una buen riff destruye universos.

V: Se ha hablado de la influencia del post-hardcore en este disco (influencia que siempre ha tenido la música de ellos, me atrevería a decir que desde White Pony son como un Jawbox con distorsión de metal) pero ni bandas como Hum o Drive Like Jehu se olvidaban de ponerle hooks a sus canciones…

Diego, como principiante en Deftones, te recomiendo que le des una escucha a los dos discos anteriores a este, para mí los mejores de la banda después de White Pony. Si te gustó Gore (para mí un 5) te encantaran esos. Mis canciones favoritas son "Prayers/Triangles", "Geometric Headress" y "Gore".

D: Como novato en el tema, puedo decir que este álbum en conjunto con White Pony son una buena introducción a la banda (lo siento, pero Koi No Yokan no lo fue para mí). Y a pesar de que Deftones aparecerá en las mismas páginas que Linkin Park y Static X en una reseña musical cronológica, álbums como este demuestran como su sonido les garantiza aparecer en libros en los que Fred Durst no saldrá ni en pie de página. Calificación: 8 Ahh y me quedó con Prayers/Triangles, Doomed User y Xenon.

T: concuerdo con Diego de que capaz dos canciones menos y es un disco perfecto y con Victor de que necesita un poco más de pesadez para contrastar las melodías. Deftones siempre será una de esas bandas trascendentales que supera al género musical de donde salieron (aunque no la tuvieron difícil). Este disco me parece una buena introducción a la banda, pero no desbanca a White Pony como el mejor disco de su carrera. Le doy un 8 sólido. Recomiendo "Prayers/Triangles", "Doomed User" y "Gore".

Calificación final: 7/10

Lo mejor de la mitad del año: Víctor

Bienvenidos al final de la semana, y con el post de las cinco recomendaciones de Víctor para este año, terminamos nuestra recapitulación de lo que va del año. Esperen más contenido la próxima semana.

5) The Monkees - Good Times!

Si hay algo en lo que todos en ALIDD estamos de acuerdo (¡algo no tan común como pareciese!), es en la grandiosidad del pop psicodélico de los 60’s; the Beach Boys, the Byrds, the Kinks y the Beatles (obviamente) se cuentan entre los favoritos de todo el staff, entre otros. The Monkees, quienes en su tiempo fueron una especie de precursores de Gorillaz al ser la primera banda compuesta por caricaturas, regresa sin uno de sus cantautores (Davy Jones, quien murió en el 2012) pero aún así nos brindan un álbum que no tiene nada que envidiarle a sus clásicos de los 60’s, tanto por su sonido asoleado (con su dosis leve de nostalgia) como por la excelencia de sus canciones. Esto se debe en una no despreciable medida a la contribución de músicos grandiosos que crecieron escuchando la música de los Monkees y ahora les retornan el favor contribuyendo excelentes canciones para este disco: Andy Partridge (XTC), Rivers Cuomo (Weezer), Adam Schlesinger (Fountains of Wayne) y Ben Gibbard (Death Cab for Cutie), entre otros.

4) Wild Nothing – Life of Pause

Jack Tatum regresa con el álbum más elaborado y logrado de su carrera. Tatum es uno de esos cantautores que surgió en medio de la movida del chillwave de inicios de década (el género que se inspiraba en el sonido nostálgico de las producciones de los 80s) y si bién siempre se caracterizo por tener composiciones más sólidas que muchos de sus contemporáneos, ha progresado desde su álbum debut de dream pop rudimentario hacia una dirección kaleidoscópica que mezcla este con la música comercial de los años 80s. “Life of Pause” confirma el estatus de Jack Tatum como EL cantautor del chillwave.

3) Kendrick Lamar – untitled unmastered.

A modo de epílogo de lo que fue “To Pimp a Butterfly” (álbum que en corto tiempo se ha consagrado como una especie de “Illmatic” del siglo XXI) K. Dot nos ofrece esta colección de pistas grabadas durante la realización de dicho álbum. Más que ser un botadero de esbozos, “untitled unmastered.” resulta ser otra excelente adición a la que se perfila como una discografía irrebatible. Esta colección conserva la sensibilidad jazz en su producción, pero al mostrar producciones menos densas y especialmente al no tratarse de un álbum conceptual épico (como lo han sido “TPAB” y “Good Kid M.A.A.D. City") me atrevería a decir que es el mejor punto de entrada para escuchar la obra de quien seguramente será visto como el más grandioso MC de nuestros tiempos (aparte de luminarias latinas como Arcángel claro está).

2) NAILS – You Will Never Be One of Us

La tercera misiva antisocial del veterano del hardcore, Todd Jones, ha llegado después de tres largos años de espera. Más que hacer cambios en su ideario corrosivo, “You Will Never Be One of Us” perfecciona la salvaje combinación entre death metal, hardcore y agresividad sin límites que Jones inventó, depurando cada uno de estos géneros hasta forjar un arma de letalidad pura con la ayuda de la producción de Kurt Ballou. NAILS se ha ganado la reputación de ser una de las (si no LA) bandas extremas más agresivas en la historia, claro, sin descuidar lo “pegadizo” de sus canciones, y este álbum (su primero para Nuclear Blast, la afamada discográfica de metal) continúa su racha intachable, demostrando el potencial que la música agresiva puede obtener si se dejan atrás el conformismo y la mentalidad de lemming que muchas veces caracteriza a estas escenas musicales. Música perfecta para la oficina del dentista.

1) Esperanza Spalding – Emily’s D+Evolution

El Nuevo álbum de Esperanza (de l@s pocos artistas que hemos cubierto en el programa que han visitado nuestro país) me tomó por sorpresa. Mientras que sus dos álbumes anteriores-los que la lanzaron al semiestrellato e incluso le valieron un Grammy-se ceñían más al enfoque improvisatorio del jazz, en este, la vocalista, compositora y bajista virtuosa decide poner sus talentos prodigiosos al servicio de un grupo de canciones previamente compuestas que muestran un magistral manejo del R&B, el pop y sorprendentemente, el rock progresivo. Estas mantienen un tono contemporáneo aunque resuenen con ecos de grandes de los 70’s como Stevie Wonder, Joni Mitchell y como mencionaba, íconos del rock progresivo de la talla de King Crimson y Frank Zappa. En un mundo ideal Esperanza sería la más grande superestrella musical, pero como no hace videos donde sale haciendo temblar prodigiosas nalgas y cantando como si acabase de sufrir un derrame cerebral (*ajem* Rihanna*ajem*)…

Lo mejor de la mitad del año: Diego

De cierta forma he sentido que este año no he estado tan pendiente como el año anterior con la música. Por una parte, mi cuenta de Spotify Premium caducó así casi un año y me he visto limitado a utilizar un mp3 Sony Walkman que había tenido rechazado por varios años, pero que ha probado ser mucho más confiable que mi veterano iPod Touch (y por veterano me refiero a 3 o 4 años…). Sin embargo, como todo fan musical, no he podido dejar de observar algunos de los lanzamientos más importantes de este año y aquellos lanzados por mis artistas favoritos. Aquí va un intento de ponerlos al día con lo que he escuchado este 2016.

5. Beyoncé – Lemonade

Vamos a empezar por una vuelta a la derecha del dial y escoger el nuevo álbum sorpresa de Beyoncé como uno de mis favoritos de este año. Algunos como Víctor opinarán que artistas como Beyoncé y sus disqueras pagan para que páginas con “enfoques indie” como Pitchfork o Stereogum le den hype a estos lanzamientos. La obsesión particular con Beyoncé comenzó desde hace un par de años, y por curiosidad terminé escuchando 4 y Beyoncé, sus dos lanzamientos anteriores sin sentir mayor simpatía por ellos, pero algo en Lemonade me parece genuinamente bueno. Por un lado, han de saber que este funciona como un tipo de “heartbreak álbum”, aparentemente sobre como Jay-Z le ponía los cuernos a B y como terminan superando este bajón en su relación. Hay una película que acompaña este (y también su anterior trabajo), pero no la he visto y realmente no me interesa mucho. El álbum por si solo funciona, y si Beyoncé quiere obtener “indie cred”, pues parece estar haciendo un buen trabajo rodeándose de artistas como The Weeknd (créanlo o no era uno de los artistas indies más prometedores hace 5 años), James Blake y Kendrick Lamar. Vale la pena quitarse los prejuicios y escuchar este álbum.

4. Deftones – Gore

Nunca he sido particularmente un fan de Deftones. Cuando estaba en tercer grado mis artistas favoritos eran Limp Bizkit y especialmente Linkin Park. Deftones, una banda notablemente más competente que las dos anteriores combinadas estaba tan solo al cruzar la calle del buen gusto, pero por alguna razón no cuajó conmigo en aquella era MTV. En los últimos años me he cruzado con Chino Moreno y su banda repetidas veces, y aunque ya no me considero poseedor del “teenage angst” que es el núcleo del "appeal" sónico de la banda, debo aceptar que al escuchar Gore, reviven algunos de esos hilos, aunque sea por la duración del álbum. Y se siente bien. Crecer apesta.

3. Chance the Rapper – Coloring Book

Este ha sido un año grande para el hip-hop. Finalmente tuvimos la muy esperada continuación a Yeezus, el metamórfico séptimo álbum de Kanye West, cuyo tracklist puede estar cambiando mientras leen esto, y cuyo video para Famous seguirá dando de que hablar los próximos meses. El disco en sí, a mi parecer, está lejos en calidad en comparación a sus dos anteriores trabajos. Por otro lado, el rapero del momento, Kendrick Lamar lanzó la continuación a su fenomenal To Pimp a Butterfly (considerado como uno de los mejores discos del año pasado por A la izquierda del dial, entre otras muchas publicaciones). Sin embargo, los discos que más me han llamado la atención este año son lanzamientos de más bajo perfil: Malibu, el segundo álbum de Anderson .Paak, y mixtapes como A Good Night at the Ghetto de Kamaiyah y especialmente Coloring Book de Chance the Rapper, cuya presentaciónen Saturday Night Live el año pasado marcó la primera vez que un artista sin disquera se presentó en el longevo programa. Su anterior mixtape Acid Rap de 2013 me hizo tener expectativa de este nuevo trabajo y el rapero de Chicago cumple. Como nota curiosa, está bien podría ser la única aparición de JustinBieber en un conteo de lo mejor del año.

2. Radiohead – A Moon Shaped Pool

Antes de que piensen que este ha sido un año más allá de un 7/10 (calificación que le otorgué hace un par de semanas a MSP), déjenme decirles que el disco ha seguido creciendo en mí. Tan solo días después de decir que el álbum carecía de melodías memorables, pasé dos días con Identikit atorada en mi cabeza. Veremos en diciembre en qué posición se encuentra, este que bien podría ser el “swan song” de una de las bandas más importantes de todos los tiempos.

1. Weezer – Weezer (The White Album)

Ser fan de Weezer es como ser fan del Motagua (hoy en día ni puedo considerarme tal, el fútbol nacional y la basura que lo rodea me provoca mareos), un sentimiento que va casi más allá de lo racional, y que permanece aún en los momentos más oscuros. Descubrí Weezer igual que la mayoría de las personas de mi edad, Hash Pipe, Island in the Sun, allá por el 2001, pero sería años después cuando descubriera sus dos primeros trabajos que se formaría mi vínculo con Rivers Cuomo. Tanto el Blue Album y Pinkerton cuentan las desventuras de mi adolescencia y adultez temprana. Quiza eso es lo que me haya ayudado a seguir pendiente de ellos por todos estos años. Sin embargo es innegable que la banda sufrió una mejoría significativa luego del Weezer Cruise que tomaron junto a sus más acérrimos fans (con el dinero para pagarse el pasaje). Este cambio en mentalidad ha causado que Weezer lance sus dos mejores álbums desde Pinkerton: Everything Will Alright in the End de 2014 y este, su cuarto álbum epónimo, conocido en esta ocasión como el White Album, una carta de amor a California, con todos y sus momentos de bufonería, pero que al menos son acompañados por melodías alegres (en su mayoría) y pegajosamente entretenidas.

Lo mejor de la mitad del año: Tato

A pesar de ya no contar con nuestra voz por la radio, no nos hemos olvidado de mantenernos al tanto de lo nuevo de la música, y si bien nos hemos lenteado un poco en esta mitad del año, esperamos poder recuperar algo de territorio con los conteos de medio año que les presentaremos a lo largo de esta semana. El día de hoy comenzamos con los cinco discos favoritos escogidos por Tato. Esperemos encuentren algo nuevo de su agrado.

1. David Bowie- (Blackstar)

Que se puede decir del disco despedida de Ziggy Stardust, una producción que evoca sus tiempos más experimentales, con liricas cripticas y mucha influencia del jazz. Una canción fúnebre para el mismo, un adios al mundo, Bowie convirtió de su muerte un proyecto artístico de jamás intentado. Si usted no siente que le tocan los atrios del corazón con este disco, vaya a un doctor para que le llenen el certificado de defunción. 

Otras recomendaciones: Lazarus, Dollar Days.

2. Car Seat Headrest-Teens of Denial

A mí me hace mucha falta Lou Reed (si, sí, yo se Lulú, que asco, pero recordemos esa colaboración con Gorillaz!) lo bueno es que dejo varios discípulos entre nosotros para poder deleitarnos con ese estilo de poeta callejero, entre ellos el adelantado de la clase es Will Toledo que mezcla todo lo bueno de San Lou con esas posturas slacker de los 90 y una buena cantidad de angustia milenial.

Otras recomendaciones:  Drunk Driver/Killer Whales, Fill In The Blank.

3. Diarrhea Planet- Turn to Gold

A ustedes les gusta The Replacements? Les gustan los coros en los cuales puedes cantar a todo pulmón en tu carro? Te gusta tocar la guitarra aérea y sentirte como idiota pero feliz al mismo tiempo? Te gustan las guitarras en las bandas pero sientes que todo sonaría mejor si hubiera 5 guitarras!?A mí también!!!! Es por eso que Diarrea Planet ha sacado uno de los mejores discos del 2016, divertido, sarcástico, lleno de guitarras en todos lados, un disco que recuerda a The Replacements en sus mejores tiempos.

Otras recomendaciones: Ruby Red, Hot Topic.

4. Chance the Rapper-Coloring Book

“Ugh Kanye West, mátenlo! No lo soporto, quien se cree este ridículo! Justin Beiber vomito!!! Hablo mal de Taylor Swift!!” gritan las masas más iluminadas de la música, supongo que todo lo bueno que se grabo fue por blancos y el ultimo buen disco fue el disco en vivo de Soda Stereo. Siguen aca? Bueno entonces hablemos de Chance the Rapper y su excelente auto-financiado disco Coloring Book, una mejor realización del concepto del góspel para el siglo 21 que trato de hacer Kanye West en “The Life of Pablo”, es un disco que deja el cinismo a un lado y abraza el concepto de la felicidad. A nadie le sobra la felicidad en el siglo XXI mientras se derriten los polos y nos inundamos lentamente...

Otras recomendaciones: Summer Friends, Finish Line.

5. Radiohead- A Moon Shaped Pool

Y hablando de ataques de pánico y ansiedad extrema, les dejo con el ultimo (el ultimo de verdad? O solo el último en este año? Gracias por la ansiedad nuevamente Radiohead) disco, que ha sido acusado de ser muy relajado y con canciones poco memorables. “Hey Tato, el fin de esto es que escuchemos el disco verdad?” preguntaran los fieles lectores, y si tienen razón quiero que escuchen este disco! Todos los defectos que le achacan a AMSP son sus mayores fortalezas, los arreglos que da el gran Johnny Greenwood, dejando atrás el techno glitch de Yorke, un disco que se debe de escuchar como una sola pieza, un “break-up”álbum comparable con “Blood on the Tracks” de Bob Dylan. Radiohead no reinvento el mundo esta vez pero si nos dejó un disco espectral que se queda con uno entre más vueltas le dan.

Recomendaciones: Identikit, Present Tense, True Love Waits (ustedes True Love Waits!!!)

Unborn Chicken Voices: James Blake - The Colour in Anything

Aún no hemos pasado las encuestas de medio año, pero esperamos que la nueva sección "Unborn Chicken Voices" haya tenido buena aceptación. De cualquier forma, nos pareció el formato más adecuado para compartir con ustedes nuestras opiniones sobre diversos temas. En esta ocasión, Tato escogió discutir sobre el nuevo disco de James Blake: The Colour in Anything.

Diego: Bienvenidos nuevamente a este punto de discusión. Qué bueno que otra semana y otro disco que discutir. Tato, comienza por introducir a la víctima de hoy, y cuéntanos porque consideraste traerlo a la mesa de discusión.

Tato: bueno James Blake es el cantautor británico que inició su carrera en polarizante género musical que es el dubstep. Pero de estos artistas es el que mejor ha evolucionado y su nuevo disco se podría decir que es de los más esperados del 2016.

D: Es imposible hablar de James Blake sin llegar a mencionar este género. A mí en lo personal, allá por el 2011, me enseñó que "dubstep" no era necesariamente una mala palabra entre aquellos de "gustos refinados" XD

Víctor: Bueno a mí me parece una buena elección, pero más que un artista dubstep diría que es un músico que ha tomado influencias de este género. Conste que estamos hablando de dubstep en su definición original, la música británica que surgió a mediados de los 2000, y no la abominación sónica que Skrillex y compañía desatarían sobre el público a finales de dicha década XD

T: bueno se podría decir que en sus primeras grabaciones toma libremente estas influencias. Creo que hasta Overgrown se vio otra faceta de él. Drop the bass Diego!

D: Bueno, creo que si algo debo de criticarle a este disco, además de su “running time” (¡71 minutos!), es su pésimo "timing", cayendo prácticamente al mismo tiempo que nuestro anterior sujeto de análisis, A Moon Shaped Pool deRadiohead.

V: A mi más que todo me parece que en este disco James Blake llega a representar algo así como el ideal de pop del que tanto se llenan la boca hablando varias publicaciones. En él mezcla las sensibilidades electrónica experimentales del dubstep británico con R&B moderno y la tradicional sensación de "día lluvioso" de la música británica.

T: Concuerdo contigo Diego, el disco es 5 canciones muy largo y a pesar de que sónicamente es bonito, no deja de sonar un tanto genérico. Además es evidente de que Blake está coqueteando con el mainstream. Colaboró en el controversial Lemonade de Beyonce e invitó a Kanye a salir en el disco (evento que no se dio).

D: Estamos hablando de un disco con 17 canciones, que si bien no es conceptual, mantiene una misa atmósfera, tal como apunta Víctor. En lo personal, escucharlo repetidas veces no generó en mí la sensación de oír la misma canción, pero una idea que no pude sacar de mi cabeza, es la de James Blake como un "novelty act". Volviendo a su álbum debut de 2011, me quedo con el presentimiento que en aquel entonces, lo que encontré ahí era muy original y diferente a cualquier cosa que hubiese escuchado antes. Claro, esto viene de alguien que nunca logró entrarle al artista Burial.

V: Mi experiencia con Blake ha sido opuesta a la tuya, Diego. Yo al escuchar su debut del 2011 casi no pude esconder mi desdén y temí que sería el inicio de una moda de artistas tipo Blake que hacían "dubstep bonito" (lease: aburrido) para las cafeterías del mundo. Algo así como Dido hizo con el trip hop a inicios de los 2000. Y sí, The Colour in Anything sufre uno de los problemas principales de los discos dobles, el estar repleto de canciones de relleno.

Pero a propósito de Radiohead, me parece que James Blake es uno de sus seguidores que están continuando la labor innovadora que, como mencionaba en la reseña de AMSP, parece que Radiohead ya no está tan interesado en continuar. Pero este disco parece indicar que hay vida para James Blake más allá de ser el nuevo Café del Mar y estar condenado a sonar en las radios de mamás treintañeras "edgy". Creo que en esto influye mucho la mayor inyección de R&B y pop, lo cual tiene efectivamente le añade más "color" a la música, como así parecería indicarlo el nombre del disco.

T: Bueno ese color para mí es el mainstream y creo que Blake se escucha mejor con un poco de nostalgia. A mí me gustó Blake con la excelente canción Retrograde. Tenía lo mejor del “plastic soul” de Bowie con un poco más de energía y sensibilidades mileniales. A pesar de esa excelente canción el resto de las canciones en ese disco me parecieron inferiores. Siento lo contrario con este disco que me suena genérico y más aburrido que un disco de Bon Jovi.

D: Casi me atrevo a decir que cada uno tiene un disco favorito distinto entre la aun joven discografía del artista. Pero ¿qué les parecen las colaboraciones acá presentes? Vale decir que ya desde Overgrown se venían dando en un experimento que considero no fue exitoso: Take a Fall for Me con RZA.

V: Creo que son muy pertinentes las colaboraciones, sobre todo las de Frank Ocean. Ese aumento en el gradiente de R&B en la música de Blake no es accidental, después de todo él colaboró con Beyoncé produciendo un par de canciones para su nuevo álbum "Lemonade". Es esa influencia (la del R&B semi alternativo tipo el de Ocean y Miguel) la que se hace sentir en este álbum y lo rescata de ser el Dido versión "millenial".

D: Yo personalmente si no me dicen no me entero de la presencia de Frank Ocean. La participación de Justin Vernon de Bon Iver si es más "in your face", a decir verdad una de sus dos colaboraciones, I Need a Forest Fire, parece sacada del “songbook” del disco ganador del Grammy Bon Iver, Bon Iver.

V: Es cierto lo que decís, Diego, pero siento que es una influencia más espiritual y artística que otra cosa. Por ejemplo, muchas de las pistas cuentan con ritmos muy similares al trap rap; el contraste entre estos ritmos hiphoperos sucios y la melancolía baladera británica de Blake me parece muy bien logrado. Por lo menos en las 9 canciones que me gustan XD

T: La verdad creo que un disco de Frank Ocean producido por Blake daría un resultado más interesante…

D: Tato, no sé qué más nostalgia querés que estas 17 canciones. Una de las críticas más persistentes que se le han hecho a este trabajo es que Blake incluso llega a sonar muy quejón ("whiny"), particularmente en el aspecto de las letras.

T: Comparado a Overgrown este disco es más feliz y optimista.

V: Creo que este es el producto de tener un chico blanquito obvio seguidor de Radiohead y Burial tratando de tomar el manto de Al Green y compañía XD Si bien es cierto que suena un poco llorón, esto va de acorde a la temática lírica, que más que todo habla sobre desamor y rupturas. Es como un Reverendo Green versión emo pues XD

D: 9 canciones buenas en un álbum casi garantiza un "clásico", sin embargo, al lado de estas nueve canciones, tienes 8 que no te parecen. Hay alguna de estas 9 que te gustaría resaltar Víctor? Tato?

V: Yo diría que Radio Silence es una excelente y cautivante forma de aperturar el disco.

T: Concuerdo con Víctor, Radio Silence abre el disco fuertemente y promete bastante. La promesa no es cumplida en mi opinión.

D: Tato, mencionaste que este era uno de los álbums más esperados para este año, pero parece no haber llenado tus expectativas. ¿Qué esperabas encontrar acá?

T: Bueno cuando hablamos de AMSP ustedes dijeron que el disco tenía pocas canciones memorables. Pues este es el problema que me dio este disco, eventualmente después de Radio Silence, el disco se convirtió en una masa sin forma y no recuerdo ninguna otra canción.

V: En mi caso, fue una grata sorpresa. Como les decía, no le tenía mucha fe a James Blake, pero este disco me ha parecido un trabajo bien logrado.

D: ¿Algún pensamiento final antes de dar la calificación?

T: Siento que Blake tiene mucho que ofrecer y algún día sorprenderá con un disco estelar, lamentablemente este no es. Hasta los momentos Blake me parece mejor como artista que saca sencillos a un artista que amerita escuchar el disco entero.

V: The Colour in Anything cuenta con "bonitas" texturas electrónicas y acústicas, una agradable sensación de melancolía y si bien está repleto de relleno, las canciones buenas son las más que las menos. Si más pop sonara como las canciones buenas de este disco, no creería que a Stereogum y Pitchfork les pagan para darle hurras a Justin Bieber y otros esbirros del bajo mundo XD

Le doy 7,5 bass drops de 10.

T: Yo le doy 6.66 Lemonades de 10.

D: Yo igualmente pienso que James Blake es un artista interesante, lo pienso desde que escuché The Wilhelm Scream y creo que sigue sin hacer nada que justifique dejar de prestarle atención, sin embargo, concuerdo que The Colour in Anything peca de ser muy largo (típica historia, con menos canciones, hubiese sido un álbum más sólido) y un poco monótono. Creo también que a James Blake le falta por madurar, algo evidente en sus letras, y el futuro parece interesante, siempre y cuando logré balancear sus metas entre su coqueteo mainstream y su lado más experimental, presente en aquellas primeras grabaciones que lo dieron a conocer.

6.5 días lluviosos.

Calificación final: 6.89

Unborn Chicken Voices: Radiohead-A Moon Shaped Pool

Últimamente acá en A la izquierda del dial hemos tenido problemas con publicar regularmente en nuestro blog, sin embargo, siempre seguimos teniendo largas discusiones por el Whatsapp, así que para matar dos pájaros de un tiro hemos decidido moverlas para acá, en un segmento que esperamos sea semanal, llamado ‘Unborn Chicken Voices’. El día de hoy decidimos hablar todo alrededor del noveno álbum de Radiohead. Recuerda que puedes unirte a la discusión en los comentarios!

Diego: Bueno izquierdos, sin duda que Radiohead es la banda activa más importante del mundo, lo que me lleva a hacerles la primera pregunta: ¿qué tanto esperaban este álbum? y ¿qué esperaban de este álbum?

Víctor: ¡Hey hey! Primero un saludo a todos los izquierdos. Nos habíamos perdido por un rato y es bueno estar de vuelta. ¿Que que esperaba? Bueno, que por lo menos no fuera tan malo como King of Limbs jaja…

Tato: La verdad no sabía que esperar. Radiohead es de esas bandas que sale con un nuevo concepto en cada disco. Pero creo que lo que más esperaba es que el disco no fuera tan relevante como Kid A o In Rainbows

D: Parte de lo que me extrañó esta vez fue cuanta anticipación se creó para este lanzamiento, ya que los últimos dos prácticamente aparecieron desapercibidos. A mí tampoco me agradó particularmente King of Limbs, pero con Radiohead siempre queda la sensación que a lo mejor es uno quien no está preparado para el "concepto" que proponen.

V: La verdad si lo consideramos entre el anuncio oficial del álbum y su lanzamiento, pasaron semanas. Quiero tomar excepción a algo que dijiste Diego, lo de Radiohead siendo la banda más importante del mundo. Creo que MSP, independientemente de su calidad, representa a Radiohead renunciando a la batuta de la banda más importante o innovadora del mundo. Ahora tengo más la sensación de que simplemente quieren hacer música. Ahora, ¿tuvieron éxito en este álbum? Bueno, eso es un asunto más delicado...

D: Viniendo de un disco tan rítmico como King of Limbs, A Moon Shaped Pool me parece muy ambiental. KOL parecía muy influenciado por el trabajo solista de Thom Yorke, mientras acá se hace sentir la influencia de la carrera como compositor que ha tenido Jonny Greenwood desde 2006-7.

T: Creo que a King of Limbs la historia le hará justicia. Y la verdad el In the Basement que sacaron de King of Limbs es mucho mejor que el disco.

V: Es cierto que en vivo KOL es un animal distinto. Como “wannabe” percusionista debo decir que la diferencia se hace sentir.

T:   Se siente que también hay un sentimiento de finalidad a este disco.

D: Seguramente vamos a llegar a ese punto en un momento Tato. No es nada nuevo que Radiohead incluya en sus discos canciones que llevan años de estar flotando en su repertorio, pero la inclusión de True Love Waits, casi suena al comienzo de una despedida. Pero Empecemos con Burn the Witch, la primera canción en ser revelada, y que a mis oídos contrasta notablemente con el resto del álbum.

V: TLW no es la única de este álbum con raíces que se remontan al pasado de la banda. Por ejemplo, Burn the Witch, el primer sencillo (y la canción que abre el disco) viene de la época de Hail to the Thief. Estoy de acuerdo en que contrasta notablemente con el resto del álbum, más que todo porque tiene una melodía memorable (ups, lo dije…)

T: Se podía ver la letra de Burn the Witch en el arte de Hail to the Thief. Su composición es muy diferente a la que originalmente salió en esa época. Concuerdo con vos Diego, Burn the Witch es la canción más diferente del disco. No me encantó de inicio, pero ahora me cuesta sacarme la de la cabeza. Y creo q su letra es apropiada considerando lo que está viviendo el mundo en este momento.

D: Y quizá sea el momento para abordar ese otro aspecto, Radiohead fue una banda abiertamente política con Hail to the Thief, pero aparte de referencias a una "bruja que debe ser quemada" y a un "loco de manos pequeñas" en las dos canciones que fueron escritas hace más de 10 años, una lectura de ese tipo a MSP me parecería poco acertada.

T: Pero podríamos decir que el tema de migración en Inglaterra siempre fue relevante. Y creo que no fue casualidad que RH haya sacado está canción, cuando la migración de los refugiados sirios cobra relevancia.

V: Definitivamente concuerdo en que MSP carece del ángulo político que había caracterizado a RH desde OK Computer, aunque si lo pensamos bien este ha estado ausente desde In Rainbows. A esto viene un punto mío, para mi MSP es parte de una trilogía que comenzó con In Rainbows, cada parte de la cual representa una faceta de la música de Radiohead. In Rainbows el pop/rock de guitarra que los llevo a la fama, King of Limbs la faceta electrónica experimental del grupo y Moon Shaped Pool su lado baladero.

D: Existirán varias lecturas e interpretaciones de este, como cualquier disco de Radiohead. Pero sin duda la otra que no se puede dejar de mencionar, es la de MSP como "break-up album", ya que es el primero tras disolución del matrimonio de 23 años de Thom Yorke y Rachel Owen.

T: Creo msp es un break up similar a Blood on the Tracks. Y no se ustedes pero sónicamente me recuerda a Pink Moon pero más ornamental.

V: ¿cómo los otros discos de Nick Drake decís entonces Tato? XD

D: Jajajaja! Owned! A mí realmente me cuesta posicionar MSP entre la discografía de Radiohead. Como mencionó Víctor, In Rainbows se asentaba muy bien al lado de The Bends y King of Limbs iba al lado de Amnesiac y Hail to Thief. Como bien dijiste, MSP casi parece venir de otra banda.

D: Pero bueno, ahora al punto que tocó Víctor hace unos momentos. ¿Carecen las canciones de A Moon Shaped Pool de melodías memorables?

T: Yo siento que es un disco bien pegajoso, y que tiene excelentes hooks. Especialmente canciones como Identikit.

D: Concuerdo con que Identikit es una de las sobresalientes, pero aparte de las canciones con las que abre y cierra el disco, no podría tararear ninguna otra... Aunque anoche que me enteré que íbamos a tener esta discusión, le di la primera escucha en semanas a MSP, y ya sin la expectativa y hype de ser "el nuevo álbum de Radiohead", debo decir que me agrado más y me dejó la sensación de que es de esos álbums que crecen con el tiempo.

T: Soy del pensamiento contrario. Siento que las canciones son memorables. Por ejemplo Daydreaming es de esas canciones q recompensa cada vez q una la escucha. Y si la tarareo a cada rato jaja… Y creo que la lírica de Daydreaming contribuye a esas teorías de q es un break up album/álbum despedida

V: Bueno, como medio se me salió decir hace un momento, siento que Radiohead trajo de todo para lo que es muy posible sea su álbum de despedida. Cuerdas, la mejor producción de Nigel Godrich en años, un enfoque lírico nuevo...pero como que se les olvidó traer buenas melodías esta vez...

T: No sé si han leído la teoría de como el video de la canción tiene un “throwback”  a cada época de RH?

V: Creo que Paul Thomas Anderson, el aclamado cineasta director del video de "Daydreaming", piensa hacer una serie de videos de gente caminando hacia la cámara, solo recordemos el de Joanna Newsom que dirigió el año pasado XD

D: Interesante, no lo había visto así... Tendré que verlo nuevamente. A mí en lo particular en un comienzo me recuerda a una colaboración que hizo Thom Yorke en los noventas con UNKLE, Rabbit in your Headlight.

T: Cómo habíamos comentado este disco huele a despedida. Aun más cuando revelaron el tracklist y salía una canción que todos ya habíamos escuchado como cierre del disco. ¿Qué pensaron de este take de True Love Waits?

V: Creo que True Love Waits muestra que de haber compuesto más canciones con una melodía igual de inolvidable, Radiohead muy posiblemente tendría el mejor disco de su carrera en sus manos.

D: Realmente creo que la inclusión de la canción y el arreglo prácticamente solista de esta canción nos da a entender que lleva el sello de la vida personal de Thom Yorke.

V: Debo admitir que cuando se filtraron las primeras reseñas del álbum que mencionaban que estaba compuesto casi exclusivamente por baladas me emocione un poco.

D: Pero volvemos al hecho que esa canción se escribió hace más de 20 años. ¿Será que Radiohead ya no tiene más que dar, al menos al nivel al que se le ha venido exigiendo?

T: Pues eso es lo que pasa a veces el disco se siente como una compilación de canciones nunca grabadas e inéditas. Hasta el tracklist viene en orden alfabético.

D: Es difícil pedir más de una banda que con sus álbums, al menos dos veces ha cambiado las reglas del juego. Y como dice el cliché, hasta lo peor de Radiohead es mejor que la mayor parte de la música actual.

V: Después de todo Radiohead propiamente dicho nunca ha sido una banda muy roquera, y varias de mis canciones favoritas de ellos son baladas ("Sail to the Moon", "Faust Arp", "How to Disappear Completely")

T: El disco siento q es mejor apreciarlo como una pieza completa y con un buen par de audífonos. Podría decir q tus canciones favoritas difieren mucho de las mías Víctor. Nunca le encontré el gusto a Sail to the Moon y por ejemplo canciones como Present Tense son superiores a posiblemente varias canciones de Hail to the Thief.

D: Una última pregunta antes de dar una calificación y cerrar esta primera discusión. ¿Debe seguir Radiohead? o ¿después de este tour es un buen momento para retirarse?

V: Radiohead siempre ha hecho un balance entre rock clásico oscuro al estilo de Pink Floyd y Neil Young con música experimental contemporánea y de los 70's, solo que en este álbum se sienten más plácidos abocándose a lo puramente melódico. A propósito de Neil Young, una de mis canciones favoritas del álbum, "The Numbers" es muy evocador de su estilo, mientras que su lado experimental casi solo se asoma durante "Ful Stop" el cual nos recuerda a los héroes del Krautrock Neu! y nos muestra que Phil Selway es un baterista muy subvalorado.

T: no quisiera que fuera el último disco de RH por razones sentimentales (quisiera verlos en vivo aun) pero si suena como que este disco es el final del camino. No sé si notaron q la primera palabra de este disco es “stay” y la ultima es “leave”. Concuerdo que la sección de ritmo en este disco fue poco utilizado, pero si le dieron el mando en KoL (que insisto que es un discazo especialmente ese triumvirato musical de las últimas 3 canciones )

V: mi sentimentalismo más bien me empuja a esperar que este sea el último disco de Radiohead como grupo. No es un mal disco, pero el uso de varias canciones inéditas y la sensación de nostalgia me hace temer que estén llegando a su final como una unidad creativa. Radiohead ha sido tan importante en mi vida que odiaría escuchar un disco verdaderamente malo de ellos.

D: Pues comprendo sus puntos de vista. Viniendo de alguien que en realidad está esperando a ver que trae The Getaway, el undécimo álbum de los Red Hot Chili Peppers, aun cuando sus mejores años pasaron hace mucho, he de decir que me gustaría que Radiohead siguiera sacando discos eternamente. Pero viéndolo del punto que menciona Víctor, no le pido lo mismo a Radiohead que a RHCP. Con todo el dolor en mi alma, aceptaría que este fuese el último disco de Radiohead. Es más, tendría sentido en estos momentos que Yorke, Jonny y Phil Selway tienen proyectos solistas

T: La verdad si este es el último disco cierran con broche de oro. Yo le daría 8 de 10. Es un disco para escucharlo solo con audífonos de buena calidad y sentarse a dedicarle el tiempo que se merece. El disco florece, en mi opinión, con varias repeticiones.

D: Ayer que me senté a escucharlo con audífonos y atención me gustó mucho. Pero me hace pensar si tal vez más bien fue que estaba muy cansado, pues el resto de las escuchas que le he dado me parece placentero pero poco memorable. Quizá con el tiempo cambien de nota, pero le dejaré un 7/10

V: Moon Shaped Pool es una agradable escucha, con una de las mejores producciones de parte de Nigel Godrich y Johnny Greenwood. Aun así, su falta de canciones memorables me hace concordar con el 7/10 que le otorga Diego.

Puntuación: 7.33/10

Prince: el legado morado

Podría engañarlos y hacerles pensar que todo fue minuciosamente planificado desde el comienzo. "No publicaremos nada sobre la muerte de Prince hasta después del día de su cumpleaños" pude haber expresado en abril de 2016, año particularmente fatídico para las celebridades. Pero la realidad es otra. Lo cierto es que a pesar de conocer el nombre y la imagen de Prince (esa historia sobre como cambio su nombre a un símbolo impronunciable en los 90s), sabía poco por lo que tanto se lloró el pasado 21 de abril, su trayectoria musical.Y que mejor ocasión para revisitar, o en mi caso, conocer la música de un artista, que tras la muerte del mismo, cuando de repente, cualquiera se siente versado en el tema. Yo voy a comenzar por parafrasear algo que he tratado de transmitir en esta introducción: no soy para nada un experto, conocedor, y la semana pasada ni siquiera podía considerarme fan de Prince. Si alguien del equipo de A la izquierda del dial debería de estar escribiendo esta reseña, probablemente debería de ser Víctor, ya que Tato no parece tener problemas con la androginia de David Bowie, pero sí con la de Prince Rogers Nelson.

Prince es una leyenda; de eso no queda duda. A lo mejor en nuestro país no se le ve así, o quizá en su momento lo fue y tan solo no logró la transición generacional que han tenido Madonna y Michael Jackson, la tríada del pop Norteamericano. Además, para aquellos interesados en la buena música (sí, ustedes que extrañan escucharnos los viernes por las noches), entrarle a Prince es complicado, pues en sus casi 40 años de carrera, el morado de Minneapolis lanzó 39 álbums de estudio. Sin embargo, como todo artista de larga trayectoria, existe un período cumbre, en el que todo lo que tocaba era oro. Quienes queden encantados por la etapa musical de Prince en los 80s, seguramente encontrarán muchas más cosas que disfrutar en el resto de su discografía, pero con el objetivo de publicar este artículo este año, decidí enfocarme en sus 4 trabajos más icónicos: Dirty Mind de 1980, 1999 de 1982, Purple Rain de 1984 y Sign 'o' the Times de 1987.

Para cualquiera que haya visto una presentación o un videoclip de Prince tocando su música en esta etapa sabrá un par de cosas claves del porqué Prince es tan importante en la historia de la música moderna. Primero, Prince era un gran músico, diestro en cualquier instrumento; tan solo presten atención a la guitarra en su canción insigne Purple Rain (ya llegaremos a eso). Pero probablemente un factor aún más importante, fue la forma en que Prince Rogers Nelson rompió paradigmas; rompió los moldes establecidos sobre raza, sexualidad y sobre lo que es correcto hablar en la música pop. Además creó temas como Little Red Corvette o When Doves Cry, sencillamente dos de las mejores canciones de pop de todos los tiempos.

When Doves Cry (1984)

Pero contrario a lo que se pueda pensar, el personaje artístico de Prince no se formó de la noche a la mañana. Comenzado con un debut blando, For You de 1978 a penas alcanzó a rozar el fondo de las listas de popularidad. Sería un año después con el lanzamiento de su álbum homónimo que Prince comenzaría a encaminar su carrera por el sonido y concepto que le darían la fama y su legado. La precocidad de Prince en esta etapa quedó en evidencia durante su presentación en American Bandstand para promocionar el álbum. Tras una solida presentación, el anfitrión Dick Clark se le acercó y le hizo unas sencillas preguntas, que el tímido cantante casi se mostró incapaz de contestar. La experiencia fue traumática, pero marcaría su carrera. Al salir del aire, uno de los músicos cuenta como Prince le dijo "Eso nunca me volverá a suceder".

 

Dirty Mind de 1980 es su primer álbum considerado una obra maestra. Sinceramente, de los 4 álbums que escogí poner en mi reproducción habitual, este es el que menos despierta emociones en mí. A decir verdad son para mí, pocos los momentos memorables, pero esto es entendible cuando ubico Dirty Mind al lado de sus otras tres obras maestras. Si bien desde este álbum existe esa característica casi universal en la música de Prince de ponerte a bailar o mover tu cuerpo, sería hasta 1999 del año 1982, cuando la formula finalmente cuajaría. 1999 es un álbum que comienza a jugar con la idea del álbum conceptual, y que trae al frente el sonido pegajoso y la sexualidad ya existente en Dirty Mind. Cuando en aquel álbum habían breves insinuaciones, 1999 culmina con gemidos en medio de Lady Cab Driver, algo que tenderíamos a pensar en ser una tendencia más reciente. El uso de sintetizadores sí es una tendencia que relacionamos con la música de los años 80, y no necesariamente de una forma positiva, sin embargo, a pesar de que 1999 y gran parte del trabajo musical de Prince en esta década también los incluyen prominentemente,el genio que separa a Prince  estos no suenan arcaicos como muchos de sus contemporáneos. Otra prueba más de la genialidad que separa a Prince de sus contemporáneos.

Little Red Corvette (1982)

Su siguiente álbum, Purple Rain de 1984, sigue siendo hasta la fecha, el disco más exitoso del artista y en cuanto a críticas, siendo considerado casi universalmente como el mejor del artista, y uno de los más icónicos de la época. El álbum es además una banda sonora, de una película del mismo nombre, basada ligeramente en la vida del cantante, pero que es uno de esos casos curiosos en los que un buen soundtrack no necesita de una buena película para pasar a los anales de la cultura pop. A pesar de que por años pasó sentado en mi colección de CDs sin recibir atención alguna, ahora me es fácil entender el porque Purple Rain es considerado el mejor trabajo del músico. Sencillamente, Purple Rain es el mejor paquete de canciones que Prince, acá ya con su banda The Revolution, nos pudo entregar. Tampoco afecta el que sus mejore duetos (Take Me with U), su mejor canción pop (When Doves Cry) y su mejor balada y debatiblemente, su mejor canción Purple Rain se encuentren acá dentro. Aun así, considero que 1999 es el mejor álbum para empezarle a agarrar sabor a la música de Prince.

Purple Rain (1984)
Con Sign 'o' the Times de 1987 Prince se reinventó, buscando un camino más maduro y visionario. Con esto no quisiera dar a entender que sus anteriores trabajos carecían de creatividad o pretensión, sino que como David Bowie o la misma Madonna, a lo largo de su extensa carrera, Prince iría reinventandose. Sign 'o' the Times  es el álbum musicalmente mejor logrado. Por una parte, es un álbum doble, y Prince tiene 80 minutos para dar rienda suelta a su capacidad e imaginación. En varias canciones podremos escuchar a Prince experimentar con efectos en su voz, que casi nos hacen pensar que es otro el cantante detrás del micrófono. Sino tan solo escuchen If I Was Your Girlfriend, una de las canciones más sexualmente ambiguas, en un catálogo lleno de estos.

If I Was Your Girlfriend (1987)

Y bueno, los que ya son fans podrán notar evidentemente el hecho que no soy fan del artista, apenas comienzo a adentrarme en su extensa discografía. Para los que tampoco entendían muy bien el porque se decía que una leyenda había partido, espero que mi breve reseña y los videos de muestra con los que he acompañado este artículo les llamen la atención lo suficiente como para darle una oportunidad a Prince. Apurense, porque así como pinta este año, cualquier día se nos puede ir otra leyenda, y será otra la discografía que debamos descargar.